"En cuartos matemáticos, la división regular del plano se ha considerado teóricamente...¿Esto significa que se trata de una cuestión exclusivamente matemática?, en mi opinión, no es así (...) Los matemáticos han abierto la puerta que conduce a un amplio dominio, pero no han entrado en este dominio de sí mismos..."
-Escher-
Maurits Cornelis Escher.
Artista holandés, 1898- 1972.
Mundos imaginarios y figuras imposibles en la obra de M.C. Escher.
Abandona su carrera en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem para dedicarse al dibujo y el grabado.
"Yo mismo pasé muchos años en este estado de autoengaño. Pero entonces llegó un momento en que parecía que escamas cayeron de mis ojos. Descubrí que la maestría técnica ya no era mi único objetivo".
-Escher-
Sus litografías y grabados en madera están considerados obras maestras de la técnica y sus obras son muy apreciadas por científicos y matemáticos.
En 1929 realizó su primera litografía y en 1931 su primer grabado en madera con buriles.
Es un artista que despertó gran admiración y logró un gran éxito artístico.
Su preocupación por la perspectiva hace de ella su tema principal.
Su obra se caracteriza por sus dibujos en dos o tres dimensiones.
Los pensamientos y visiones que se paseaban por su cabeza era el motivo principal en sus obras, no le interesaba la realidad.
Sus figuras imposibles son las obras más conocidas de Escher.
Artista meticuloso, domina a través de un estudio cuidado y muy perfeccionista su gran dominio de la composición en sus obras.
Recorrió diversos lugares por Europa, entre ellos España y especialmente Granada.
La Alhambra de Granada le entusiasma y copia motivos ornamentales, ésta tendría después una gran influencia en numerosas obras del artista.
En sus obras destaca una gran destreza en el dominio del espacio tridimensional, la geometría y el realismo, consiguiendo efectos especiales y únicos.
Bruno Ernst, biógrafo y amigo personal de Escher, define sus obras y las clasifica en tres temas:
1- La estructura del espacio.
2- La proyección del espacio tridimensional en el plano.
3- La estructura de la superficie.
Escher realizó más de 2000 dibujos, 400 litografías, gran cantidad de xilografías y grabados. Existen cientos y miles de reproducciones de su obra.
Sus trabajos están repartidos por todo el mundo y un número importante de sus obras de forma permanente están expuestas en el Museo Escher de La Haya y en diferentes museos.
Obras de Escher:
"Intento en mis impresiones dar testimonio de que vivimos en un mundo bello y ordenado, no en un caos sin normas, a pesar de que eso es lo que parece a veces".
"Esperar con la angustia guardada, la columna rota y la inmensa mirada.
Sin andar en el vasto sendero,
moviendo mi vida
cercada de acero"
-Frida Kahlo-
Pintora, fotógrafa y escritora.
Frida Kahlo, por derecho propio, artista.
LA CASA AZUL
En un ambiente muy mexicano, la Casa Azul, es una de las casas más famosas del mundo.
Fue adquirida por los padres de Frida en 1904.
Frida Kahlo nació, vivió, y murió aquí el 13 de julio de 1954.
Sus habitaciones están divididas alrededor de un patio.
La casa transmite historia, no es una casa más, es la casa de Frida, traspasar su puerta es entrar en su mundo.
La casa, blanca, se pintó de azul. Frida creía que el color azul espantaba a los malos espíritus, también por ser un color muy mexicano, es la importancia del color, y así se ha convertido en un hito, en un punto de referencia, en un lugar de veneración.
Es uno de los museos más visitados de México.
Frida Kahlo recostada en sillón, 1943.
Fotografía: Anónimo.
"Quién diría que las manchas viven y ayudan a vivir? Tinte, sangre, olor, (...)
¿Qué haría yo sin lo absurdo y lo fugaz?"
-Frida Kahlo-
"Las apariencias engañan"
- Frida Kahlo-
"Las apariencias engañan"
Carbón y lápiz de color. Papel, 29,8 x 21,7 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
Este didujo apareció en una libreta de Frida escondida en el fondo de un ropero, detrás de unos libros.
Sala dedicada a Frida en la Casa Azul. Estas obras reflejan su estado de ánimo y los temas que la obsesionaron durante toda la vida: la infertilidad y el autorretrato. También vemos el retrato y la naturaleza muerta.
"Frida y la Cesárea" (inconcluso), 1931.
Óleo- tela, 73 x 62 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
La infertidad obsesionó y marcó toda su vida y gran parte de su obra.
"Paisaje de Pedregal", 1952.
Óleo- tela, 30,5 x 40 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
En esta obra la artista refleja su incapacidad para ser madre.
Transmite desconsuelo y una atmósfera carente de vida.
El paisaje yermo es muy frecuente en sus obras y muy significativo en el fondo de sus cuadros, y en éste es el motivo principal y representa su cuerpo enfermo.
En el centro dibuja el bosquejo de un esqueleto.
"Naturaleza Muerta", 1942.
Óleo- lámina, 63 cm. de diámetro.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
El bodegón mexicano, fue uno de los temas desarrollado ampliamente en su iconografía, son algunos de una gran simplicidad compositiva y otros poseen abundancia de elementos.
Frida realizó cuatro obras con formato circular, dos son naturalezas muertas, una de ellas ésta.
En esta obra la artista plasma su deseo de concebir y el marco fue diseñado por ella en alusión a la matriz.
"Viva la Vida", 1954.
Óleo- masonite, 52 x 72 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
Su pasión por la vida y la esperanza, por las que luchó, hizo que pintara este famoso cuadro.
Las frutas que utilizaba para pintar sus naturalezas muertas eran de su propia huerta o las que veía al lado de su cama sobre la mesa de noche.
"Retrato de mi padre Guillermo Kahlo", 1952.
Óleo- masonite, 61 x 47cm.
Colección permante Museo Frida Kahlo.
México.
"Pinté a mi padre Wilhelm Kahlo, de origen Húngaro-alemán, artista fotógrafo de profesión, de carácter generoso, inteligente y fino, valiente porque padeció durante sesenta años epilepsia, pero jamás dejó de trabajar, y luchó contra Hitler, con adoración. Su hija Frida Kahlo".
En la zona inferior del cuadro la artista pintó una banderola, muy común en la pintura mexicana del XIX.
Frida sentía gran admiración por su padre y lo retrató con su cámara, además de fotógrafo sabía pintar, pero nunca fue un pintor profesional. Él la enseñó a utilizar la cámara y a revelar las fotos.
Ella aprendió y se inspiró en él.
Chimenea en La Casa Azul.
Rivera diseñó esta chimenea de inspiración prehispánica de líneas geométricas y austeras con el gusto contemporáneo y el diseño armonioso del art decó del siglo XX.
Comedor de La Casa Azul.
El comedor de la casa fue muy frecuentado por amigos, importantes artistas de la época y personalidades de la cultura:
León Trotsky, Carlos Pellicer, Nickolas Muray, José Clemente Orozco, André Breton, etc.
Vista patio desde el comedor de La Casa Azul.
Frida retratada por su padre, Guillermo Kahlo, en junio de 1919.
Los Red Hot Chili Peppers dedicaron la letra de esta canción a Frida. Grammy a la mejor canción de rock en el año 2000.
PALETA DE COLORES DE FRIDA.
Paleta de Colores, 1927-1929.
Temple-enlucido cal y arena 48,5 x 64,5 cm.
Colección permanente Museo Frida Kahlo.
-Paleta de Colores de Frida-
Probaré los lapices tajados al punto infinito que mira siempre adelante:
El verde: luz tibia y buena.
Solferino: azteca. TLAPALI, vieja sangre de tuna, el más vivo y antiguo.
(Café:) color de mole, de hoja que se va, tierra.
(Amarillo:) locura, enfermedad, miedo, parte del sol y de la alegría.
(Azul:) electricidad y pureza, amor.
(Negro:) Nada es negro, realmente nada.
(Verde:) hojas, tristeza, ciencia, Alemania entera es de este color.
(Amarillo:), más locura y misterio, todos los fantasmas usan trajes de este color o, cuando menos, su ropa interior.
(Azul verdoso:) Color de anuncios malos y de buenos negocios.
(Azul marino:) Distancia. También la ternura puede ser de este azul.
(Rojo:) ¿Sangre? pues, ¡quién sabe!
Extracto del diario de Frida Kahlo.
"La angustia y el dolor y el placer y la muerte no son más que un proceso para existir..."
-Frida Kahlo-
Banquito de Frida en La Casa Azul.
Todas las fotografías que ilustran este reportaje se realizaron con mi cámara de fotos.
"Todo arte es escala. Tamaño y escala, eso es todo. La escala, o en el caso de una figura la proporción, determina la impresión, determina el efecto, determina la expresión física, determina la línea, la silueta, todo. Por ello, una buena escultura debe tratarse como una buena composición musical, como un edificio en el que escala y tamaño se corresponden".
-Wilhelm Lehmbruck-
"Seated Youth" (Joven Sentado)
1916/ 1917.
Wilhelm Lehmbruck.
Städel Museum, Frankfurt.
En el área de la escultura, Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) fue considerado un precursor del existencialismo; su reducción de las figuras humanas es lo que podría denominarse su fundamental estructura arquitectónica, él fue un adelantado a su tiempo. Fue en cumplimiento de una comisión para un monumento de guerra para que él ejecutase "Joven sentado" en 1917, su última escultura a gran escala, que ha conservado su calidad hasta estos días.
George Swarzenski compró la figura en el mismo año de su creación, junto con otras dos obras, mucho antes de que esta hubiera sido generalmente entendida.
Esta escultura abraza el espacio circundante con la armadura estructural de las extremidades. Constituye un receptáculo espacial, simboliza la soledad, la desesperación y la aflicción humana.
-Wilhelm Lehmbruck-
Fue un escultor y grafista alemán.
Nació en Duisburgo, 4 enero 1881- murió en Berlín, 25 marzo 1919.
Está considerado uno de los grandes artistas contemporáneos de Alemania.
Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Düsseldorf.
Realizó estudios secundarios en la Kunstakademie Düsseldorf Studium.
En 1906 tras finalizar sus estudios se asoció a la Unión de Artistas de Düsseldorf y a la Societé Nationale des Beaux- Arts de París.
En 1907 la obra de Lehmbruck se presenta en París internacionalmente por vez primera.
Conoce a Picasso, Brancusi y Modigliani.
Expone en Berlín, Colonia y Múnich.
Al poco tiempo de instalarse en París, en 1908, entra en contacto rápidamente con la vanguardia internacional y desde este momento en su obra cada paso que da marca un desarrollo muy claro y pensado.
El artista enfrascado en el clima revolucionario parisino es consciente de todos los cambios e innovaciones.
En 1913 su obra se conoce en Estados Unidos y expone en Chicago, Nueva York y Boston.
Se organiza en 1914 una gran exposición en París, en la Galería Paul Lavesque, dedicada exclusivamente a su obra.
Finaliza la guerra y regresa a Berlín, donde es elegido miembro de la Akademie der Künste.
Afectado por una depresión puso final a su vida en 1919.
En el Lehmbruck- Museum se expone su obra que gira sobre todo al cuerpo humano.
Podemos admirar también su obra en la Tate Gallery de Londres y en Nueva York.
Sus esculturas más importantes reflejan la agonía, miseria, y desesperación.
El artista creó su mejor obra escultórica en menos de diez años.
Siempre se dedicó a la búsqueda de la perfección del cuerpo como un símbolo del sufrimiento.
El artista no estuvo muy involucrado en el movimiento expresionista alemán, pero sus figuras alargadas y cargadas de emotividad hacen que los críticos asocien a Lehmbruck con el expresionismo.
Tras unas primeras obras dentro de un clasicismo naturalista siguiendo la huella de Maillol alcanza su propio estilo con sus figuras tan especiales y dramáticas inspiradas en la mujer gótica.
Sus esculturas reflejan fuertes dosis de ensimismamiento y un fuerte sentido emocional.
Muchas de sus figuras nos sugieren un pesimismo resignado y también podemos observar que están carentes de rasgos faciales.
Destaca en su escultura los contrastes verticales y horizontales.
"Mujer Arrodillándose"
MoMA.
Nueva York.
Esta escultura está considerada una obra maestra.
Su cuerpo es muy alargado y estilizado, es más imaginario que natural.
Werner Haftmann la describió como el "Gótico secreto", al que se suscribieron Modigliani, Derain...la generación expresionista.
En 1912, en la exposición de Colonia, Hans Hildebrandt describe esta escultura como símbolo de expresionismo.
El artista trata el cuerpo humano desnudo como una metáfora de la espiritualidad y la existencia.
"Llena de barcas ibas y de arena desnuda entre tus pechos,
ante tu voz los saltos, las alegres mañanas de andar por escondites,
la luz de las pavesas, al tomar en tus manos las incógnitas,
la sensación abierta de las sílabas,
el no tener más fin que renacer, para gritar de pronto.
La conciencia, como un papel en blanco, un palimpsesto
en el que nada escrito podía deshacerse.
Y llena de violetas y en tus palmas las olas remozando
la mar a cada instante. El pelo desconchado en los abriles,
llena de sed la boca y en el vientre
la rosa todavía. Colma de risa entonces, cuajada de gorriones,
te veía venir, te veo ahora, te reconozco, palpo
la verdad infinita de unos cuántos días que ya el tiempo
ha vestido de gris en las miradas".
-Dolors Alberola, "Primeros años"-
Obra de Serge Marshennikov.
SERGE MARSHENNIKOV
Artista ruso, nació en Ufa (Bashkiria, URSS), en 1971.
Realismo, belleza, delicadeza, armonía, ¿sensualidad o erotismo?, y sobre todo un gran dominio de los recursos técnicos. Así es la obra de Marshennikov.
Fragmento obra de Marshennikov.
Su pintura cautiva y el empleo de la luz fascina.
La mujer en su obra: la belleza y su plenitud.
Finura, encanto y la perfección en la composición.
Destaca la calidad en las carnaciones y las transparencias.
Obra de S. Marshennikov.
Un realismo asombroso con un estilo pictórico que nos recuerda a grandes maestros de la historia de la pintura y que se conjuga a la perfección con la pintura contemporánea de hoy y con una atmósfera muy cálida.
Un estilo romántico en el que sus mujeres se muestran ausentes a nuestra mirada.
S. Marshennikov.
A Marshennikov su madre ayuda y costea clases de pintura y dibujo, desde muy pequeño.
Tras recibir numerosos premios por sus trabajos en acuarela y pastel finalmente Serge decide finalmente dedicarse exclusivamente a la pintura y de manera profesional.
Cuando finaliza sus estudios en la Escuela de Arte de Ufa continúa en la Academia Repin de Bellas Artes, una de las más prestigiosas del mundo en San Petersburgo.
Obra de Serge Marshennikov.
Marshennikov es uno de los alumnos con más talento de la academia y por esta razón hace el postgrado con la ayuda de su rector, el profesor Milnikov.
El año de su graduación, en 1995, es cuando realiza su primera exposición individual, en la Galería Sangat, consiguiendo un rotundo éxito, es a partir de este momento cuando el artista es invitado a realizar diversas exposiciones y sus obras son muy cotizadas.
Fragmento obra de Serge Marshennikov.
S. Marshennikov.
Sus obras empiezan a mostrarse en importantes museos, en Estados Unidos, y a nivel internacional en importantes colecciones privadas en Gran Bretaña, Francia, Rusia y Japón entre otras.
Sus obras también han sido subastadas en las casas de subastas más importantes del mundo, como Christie´s.
Fue elegido "Top 30" en 2008 por la Sociedad de Retrato de América.
S. Marshennikov.
Obra de Serge Marshennikov.
S. Marshennikov.
Su obra está influenciada por Lucien Freud.
"En la cultura de la fotografía hemos perdido la tensión que origina la capacidad de censura del modelo sobre el retrato pintado"
-Lucien Freud-
Para Lucien la diferencia entre pintura y fotografía es ésta:
"El grado en que los sentimientos pueden intervenir en la transacción de las dos partes. La fotografía puede hacerlo mínimamente y la pintura en proporciones ilimitadas".
Obra de Serge Marshennikov.
En esta obra Serge nos sigue mostrando la belleza femenina en todo su esplendor y sensualidad , y utiliza una espléndida paleta de color.
Serge Marshennikov.
La luz en sus obras es extraordinaria.
Fragmento obra de Marshennikov.
Obras de Serge Marshennikov
"Nada es menos real que el realismo. Los detalles son desconcertantes. Sólo por medio de la elección, la omisión y la acentuación avanzaremos hacia el verdadero significado de las cosas".
.jpg)
