27 diciembre 2008

LA ADORACIÓN DE LOS REYES. DURERO

DURERO
AUTORRETRATO CON PELLIZA 1500
Óleo sobre tabla, 67x49 cm.
Munich, Alte Pinakothek
Firmado con monograma y fechado,
con inscripción:
ALBERTUS DURERUS
NORICUS IPSUM ME
PROPRIIS SIC EFFIN
GEBAM COLORIBUS
AETATIS ANNO XXVIII

Su más célebre autorretrato, figura estilizada
Y simétrica pero viva, gracias a la maravillosa mano
Que sujeta la vestidura. Es el tercero y último de los
Autorretratos pintados por Durero.


En alemán Albrecht Dürer, pintor y grabador alemán, hijo del orfebre Albrecht el Viejo, descendiente de una familia húngara o de colonos alemanes establecidos en Hungría.
En 1486 su padre le colocó de aprendiz con el pintor y grabador Wolgemut. De 1490 a 1494 realizó su viaje de aprendizaje; se detuvo en Colmar, en casa de los hermanos de Schongauer, el mejor grabador de la época, que acababa de morir. Después se trasladó a Basilea, donde parece que hizo algunas xilografías.
La pintura alemana debe al genio de Alberto Durero su carta de ciudadanía en la pintura europea del renacimiento. Los maestros italianos lo consideraron como a un igual y admiraron sobre todo las dotes de creador y compositor, de que hacía gala en sus grabados. Sus dibujos y grabados son admirables tanto por sus detalles como por la impresión de grandiosidad del conjunto. Su estilo arranca del dibujo nudoso de los góticos y alcanza la fluidez clásica.



W.GOETHE
J.Hans Sachsens poetischez Sendung.
1776

A nada debes quitar valor y nada
poner en ridículo,
nada embellecer y nada empeorar;
el mundo debe ser para ti
como lo ha visto Alberto Durero,
con su vida fuerte y su virilidad,
con la fuerza interior y su
inmutabilidad.



LA ADORACION DE LOS REYES




1504
Óleo sobre tabla, 100x114 cm.
Florencia, Galleria degli Uffizi
Firmado con monograma y fechado


El cuadro de los Uffizi, según algunos, sería el panel central de un políptico ejecutado para Federico el Sabio y destinado a la capilla palatina de su residencia de Wittenberg.
Otros por el contrario piensan que éste fue su lugar de destino pero fue realizado como
una pintura autónoma, sin partes laterales. Fechado y firmado con el monograma grabado en la piedra en primer término, debajo de la Virgen, es uno de los cuadros de
Durero más importantes del periodo entre el primer y segundo viaje a Italia.



Las ruinas que aparecen en el fondo, caracterizadas por desnudos arcos construidos
con sillares lisos, atestiguan el interés que el pintor presta al arte italiano, interés que se refleja asimismo en el paisaje que se pierde en la lejanía, en el cielo poblado de ligeras nubes mediterráneas.



Los dones que los Magos traen al Niño son obras maestras de la orfebrería renacentista, objetos como el propio Durero había diseñado a veces y con los cuales estaba sin duda familiarizado del taller de su padre.
En la figura del rey que está justo en el centro del cuadro, que lleva el atavío y las joyas
más fastuosos, se reconoce apenas modificada, la fisonomía del artista. La espléndida copa que tiene en la mano es en todo semejante a las del denominado “Álbum de dibujos de Dresde”; tal vez fueron diseñadas por Durero para un orfebre amigo suyo en los años 1500-1503.




Desde Wittenberg, el cuadro pasó a la Kunstkammer del palacio imperial de Viena, donde permaneció de 1603 a 1792, año en que Rodolfo II lo utilizó como objeto de permuta con los florentinos, que a cambio le entregaron la “Presentación en el Templo”
De Fra Bartolomeo.
Considerado el artista más famoso del renacimiento alemán conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.
EL artista alemán más importante del renacimiento y uno de los más grandes de todos los tiempos, nació en Nuremberg el 21 de Mayo de 1471 y muere en 1528, es enterrado en el cementerio de la iglesia de San Juan de Nuremberg.

Bibliografía:
Constantino Porcu
J.Bialostoki, voz Dürer en
Enciclopedia Ubiversale dell ´Arte.
E.Panofsky, la vida y el arte de Alberto Durero,
Madrid, 1982

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ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS

Adoración de los Reyes Magos. Bloemaert Abraham


La Adoración de los Reyes es una escena dentro de la historia que hace referencia a estos personajes. En la religión cristiana los Magos son unas personas que aparecen en el Evangelio de Mateo (Mt 2-12) en el Libro del Nuevo Testamento. Mateo hace un relato muy escueto en el que no aparece ni el número ni el nombre de estos magos. A partir de Orígenes (185-224) y con los Evangelios apócrifos se van añadiendo datos y detalles que la Iglesia va aceptando y los artistas aprovechan en sus obras. La historia de los Reyes Magos ha tenido siempre una gran atracción para las narraciones artísticas.


Adoración de los Reyes Magos 1619. Diego Velazquez


REPRESENTACIONES EN EL ARTE


La escena de la adoración de Belén es una de las más antiguas en el mundo artístico. En ocasiones viene a tomar parte del episodio de la Navidad. El pasaje de la adoración ya se representaba en las catacumbas romanas donde puede verse a María en el extremo de la obra y a los otros tres magos llevando sus regalos sobre bandejas muy simples. El antecedente de esta representación está en las obras de la Roma Antigua en que las personas del pueblo sometido llevan presentes al romano vencedor durante la ceremonia conocida como triunfo.En el siglo V cambia la disposición de la escena situando a María en el centro entre los Magos y añadiendo la comparsa de los camellos. Más tarde en época bizantina aparece en la escena un ángel que lleva una estrella y uno de los Magos hace una genuflexión.


Figueroa Baltasar 1667. Museo de arte colonial

Colombia Bogotá


En Occidente y durante la Edad Media se suele vestir a los Magos con manto real y con corona. Sus regalos van en recipientes lujosos que se suponen hechos de metales preciosos. En el siglo XIII es frecuente un modelo en el que el primer rey se arrodilla y el segundo mira al tercero para mostrarle la estrella.
La escena va enriqueciéndose con otros detalles y a partir del siglo XVI pasa del puro simbolismo a lo anecdótico y atractivo.


Adoración de los Reyes Magos 1782

Toledo. Museo de Santa Cruz

Escuela Hispano Flamenca


Bibliografía:
Duchet-Suchaux, Gaston y Pastoreau. La Biblia
y los santos. Alianza Editorial.
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¿ QUIÉNES ERAN ?

Calamanda


¿Quiénes fueron los Reyes Magos de Oriente?

¿Quiénes eran?

¿Qué curiosos personajes debieron ser estos Reyes Magos que observaron la estrella de Belén?

¿Realmente fueron Reyes?

¿Y dónde se dice que fueran tres?

¿Fueron Reyes o fueron Magos?

¿Eran de Babilonia o de Persia?

Si los Reyes Magos hubieran sido persas, una estrella no hubiera sido motivo para alarmarles, pero siendo babilonios no sólo se alarmarían si vieran un acontecimiento astronómico importante sino que también contaríamos con la baza de que sabrían discernir entre algo común y cotidiano y algo verdaderamente destacable.

¿Qué vieron en el cielo?

Estos mágicos personajes poseen ciertas claves que son desconocidas para la gran mayoría.

Los Reyes Magos son unos misteriosos personajes...

¡ FELIZ 2009 !

Y para los que crean en la noche de Reyes: que se cumplan sus sueños.
*

21 diciembre 2008

VIRGEN CON EL NIÑO Y SAN JOSÉ

Virgen con el Niño y San José
(Virgen del velo, llamada también
Virgen de Loreto y Madonna de Santa
María del Popolo)


1511-1512
RAFAEL
(Virgen del velo, llamada también
Virgen de Loreto y Madonna de Santa
María del Popolo)
Tabla, 120x90 cm.
Chantilly, Musée Condé


H.Wölffin
Der Klassische kunst, 1898
…Hoy el público (…) está ya acostumbrado a descubrir en otras cosas el valor de las figuraciones; en la expresión de los rostros, en las relaciones espirituales que median, por así decirlo, entre los diversos personajes (…) y solamente poquísimos intuyen que el valor esencial de estos cuadros no residen en el detalle, sino en la armónica fusión de los grupos, en el ritmo impreso a toda la visión (…) Rafael sabía como ningún otro antes que él lo que puede complacer al ojo humano.


La obra mencionada por algunas fuentes, entre ellas Vasari, en Santa María del Popolo de Roma, es generalmente puesta en relación con un regalo reservado para la iglesia por el Papa Julio II, que habría hecho realizar un retrato suyo para la misma iglesia. Sin embargo, como alternativa, se puede mantener que otro personaje de gran relevancia habría podido encargar esta tabla a Rafael: el rico banquero sienés Agostino Chigi. Este habría obtenido en 1507 el patronato de una capilla de dicha iglesia (decorada por Rafael), dedicada a la Virgen de Loreto, lo cual explicaría uno de los apelativos por los que se conoce a la pintura. La obra fue robada de la iglesia en 1591 por el cardenal Sfondrati, que la vendió en 1608. Después de estar en posesión del príncipe de Salerno, en 1584 pasó, al duque de Aumale, quien en 1884 la dejó al Museo Condé de Chantilly, donde se encuentra actualmente.
-G.Vasari-

La pintura nos muestra cómo, después de su estancia florentina y en sus primeros años romanos, Rafael siguió buscando soluciones siempre diferentes para la relación de la Madre con el Hijo. En este caso, el estudio de las gradaciones de color de la sábana sobre la que está tendido el niño, así como la utilización del velo, hacen al espectador partícipe de este aparente juego entre la Virgen y Jesús, un juego en el cual se contienen significados simbólicos: mientras que en el velo se reconoce el sudario, memento de la pasión de Nuestro Señor, en el despertar del Niño divino se hace referencia a su resurrección y a su significado de salvación de la humanidad.




¡ FELIZ NAVIDAD !

16 diciembre 2008

EL ARTE DE LA PINTURA (ALEGORÍA DE LA PINTURA) VERMEER

THE ART OF PAINTING



JAN VERMEER 1632-1635


P. Claudel (L´oeil écoute, 1946)
Entre estos maestros, cuyas obras y nombres recordamos con tanto placer, Gerard Dou, Mieris, Terborch, Metsu...hay uno al que no definiría como el más grande, porque aquí no es cuestión de grandeza, sino como el más perfecto, raro y exquisito, y si hiciesen falta otros adjeivos serían los que sólo proporciona otra lengua, eery, uncanny (extraño, misterioso). Hacia rato que esperábais su nombre : VERMEER DE DELFT.


EL ARTE DE LA PINTURA (ALEGORIA DE LA PINTURA)


El arte de la pintura. hacia 1666. Óleo sobre lienzo, 120x100 cm.
Viena, Kunsthistorisches Museum.

Los cuadros que hoy evoca el nombre Vermeer, los debió de pintar en torno a 1660: Entre ellos "El arte de la pintura". (De sus anteriores obras sólo hay una fechada "La alcahueta", Dresde, Gemäldegelaire, 1656).
En esta obra, la luz de los íntimos espacios interiores se convierte en el tema del cuadro. El bello instante, cuyo efecto es creado por la luz, queda suspendido en un compás de espera. Lo que hoy admiramos de Vermeer es el perfecto dominio de la perspectiva, la armoniosa coloración con predominio de un azul frío y un amarillo brillante, y una refinada técnica con la que, sirviéndose de pequeñas perlas de pintura de variados matices, consigue hacer brillar la superfìcie de los objetos.
Se trata de un cuadro de taller, un tipo frecuente en la pintura holandesa. En la representación de Vermeer, lo inusual es haber hecho de un autorretrato una alegoría de varios niveles, lo cual subraya la complejidad del lienzo.
El espacio interior está decorado con un mapa de las provincias libres de los Países Bajos y con accesorios de las artes. El pintor aparece vestido con distinción, al igual que la estancia. Es posible que se base en el tratado de Leonardo da Vinci, cuando dice: "...el pintor está sentado delante de su obra y dirige ligero el pincel con colores bellos. Está vestido como más le gusta." ¿Es quizás una alusión a la superioridad de la pintura sobre la arquitectura y la escultura?


- El artista ha pintado ya la corona de laurel que lleva la modelo; pero ésta sostiene en sus manos una trompa y un libro, por lo que puede ser interpretada como Fama, la encarnación de la celebridad. De este modo, una escena de taller de pintor, casi de género, se convierte en los Países Bajos en una alegoría del “Elogio de la pintura”. Pero lo realmente extraordinario de este cuadro es la luz, su “escenificación” de la luz, sin parangón en el siglo XVII; los impresionistas la redescubrirían dos siglos más tarde. Desde una ventana invisible para nosotros, cae sobre la modelo que posa delante del pintor en el lugar de mayor luminosidad: de este modo, la luz natural se convierte en luz glorificadora, como corresponde a una alegoría.

(Hermann Baver) El barroco en los Países Bajos. Siglo XVII-



El famoso cuadro de Vermeer “El arte de la pintura” ha sido interpretado por muchos historiadores del arte como su legado artístico. La personificación del cuadro, fácilmente reconocible: una mujer con manto azul de seda y falda amarilla, con una corona de hojas como tocado, sosteniendo un trombón en la mano derecha y un libro de pasta amarilla en la mano izquierda, no es en modo alguno la alegoría de la pintura (“Schilderconst, lat. Pictura”), sino -y de ello no cabe hoy la menor duda- la musa Clío, patrona de la Historia. Dado que el pintor está reproducido en el proceso de pintar, su actividad representada como un servicio, no puede tratarse de una alabanza al arte de la pintura, pues el pintor no alaba a Pictura, sino a Clío y a la historia, más exactamente: a un suceso histórico determinado.


-James A. Welu ha llamado la atención sobre el hecho de que Clío sostiene el trombón (tradicionalmente un símbolo de la gloria, de la fama; Clío se deriva etimológicamente del griego Kleos=fama) ante la vista de la corte de Holanda en La Haya, residencia de los gobernadores de la casa Orange. Este dato pone de manifiesto un discreto gesto demostrativo de Vermeer. ¿Parece que con ello ha querido homenajear a los Orange?... -

07 diciembre 2008


"Sorprendernos por algo es el primer paso de la mente hacia el descubrimiento."
(Louis Pasteur)