El pintor y su pug, 1745Óleo sobre tela, 90 x 70 cm.
Tate Britain
The Bruiser, C. Churchil, 1763
Grabado, 37 x 28
Andrew Edmunds, London
En el comienzo del siglo de Oro de la pintura inglesa se encuentra una personalidad, HOGARTH, que no conoce ningún tipo de constricción académica ni está vinculado a ninguna escuela, sino que encuentra libertad para una observación sin prejuicios, precisamente en el predominio de su propia individualidad.
Ningún otro artista ha descrito la vida social y política inglesa del siglo XVIII con la agudeza de visión, la mordacidad y su espíritu crítico.
El Rococó, el sublime estilo del Barroco adquiere un matiz desenvuelto y jovial. El sentimiento y la emoción se imponen sobre la razón. Hogarth a pesar de estar formado según la estética rococó, pinta series narrativas para la burguesía urbana.
La fama de Hogarth, figura central en la vida artística de Inglaterra, estuvo unida durante largo tiempo a su vena moralista y satírica.
Conocido entre el pueblo por sus grabados, gozaba de la admiración de los burgueses de Londres por su calidad de retratista, pintor de corte y convencido defensor de la obra reformadora del Parlamento en el campo de las costumbres.
Hogarth Painting The Comic Muse, 1757
Ningún otro artista ha descrito la vida social y política inglesa del siglo XVIII con la agudeza de visión, la mordacidad y su espíritu crítico.
El Rococó, el sublime estilo del Barroco adquiere un matiz desenvuelto y jovial. El sentimiento y la emoción se imponen sobre la razón. Hogarth a pesar de estar formado según la estética rococó, pinta series narrativas para la burguesía urbana.
La fama de Hogarth, figura central en la vida artística de Inglaterra, estuvo unida durante largo tiempo a su vena moralista y satírica.
Conocido entre el pueblo por sus grabados, gozaba de la admiración de los burgueses de Londres por su calidad de retratista, pintor de corte y convencido defensor de la obra reformadora del Parlamento en el campo de las costumbres.
Hogarth Painting The Comic Muse, 1757Óleo sobre lienzo, 45,1 x 42,5 cm
National Portrait Gallery.Londres
WILLIAM HOGARTH – Londres, 1697-1764
Hijo de un maestro de escuela, entró en 1712 en el taller de un orfebre y grabador, que despertó su interés por el grabado en cobre. Continuó sus estudios en la Vanderbank´s Academy de St. Martin´s Lane y en la escuela de pintura de Thorn-hill, pintor de la corte, con cuya hija se casaría en 1729 y cuya obra despertaría su ambición de convertirse en pintor de cuadros históricos. Esta ambición que mantuvo toda su vida, no se vio nunca coronada por el éxito.
Este joven grabador inglés que tuvo que vivir ilustrando libros. Quien sintió que llevaba dentro un pintor tan bueno como aquellos cuyas obras se hacían venir de fuera por centenares de libras; aunque advirtió que no existía público en Inglaterra para el arte contemporáneo. Como consecuencia de ello, se puso deliberadamente a crear un nuevo tipo de cuadros que atrajeran a las gentes de su país. Se dio cuenta de que se manifestaba allí la tendencia a preguntar: ¿Para qué sirve un cuadro? Y decidió que para atraer a las personas formadas en la tradición puritana, el arte debía poseer una utilidad evidente. De acuerdo con ello, concibió una serie de cuadros que enseñaran las recompensas de la virtud y las consecuencias del pecado.
En Hogarth, lo verdadero se expresa en el inconformismo de su estilo, en una postura poco pretenciosa que relega toda necesidad de representación tras la reproducción insobornable de lo observado.
Personalidad de las más ricas y preclaras de su tiempo, en materia de arte fue un autodidacta, inclinado en principio moderadamente hacia la pintura de estilo flamenco “Jan Steen” y más tarde, poco a poco, hacia experiencias muy distintas entre sí, incluso divergentes, como la de Rubens, Chardin y Rembrandt. Hogarth estudió atentamente a los maestros del pasado y sus procedimientos para conseguir efectos pictóricos; conoció los procedimientos de los artistas italianos de su época, de pintores venecianos como Guardi, de quien aprendió el recursos de evocar la imagen de una figura con unas cuantas pinceladas briosas.
Sus grabados “La carrera de la prostituta“(1732), “La carrera del libertino” (1735) y “Matrimonio a la moda” (1742-1744) fueron rápidamente apreciados y celebrados, de modo que Hogarth tuvo que protegerse jurídicamente contra los plagios. Estas obras que fueron copiadas e imitadas descaradamente por otros, hizo que el artista luchase para que el Parlamento aprobase la ley del “copyright” de 1735, marcó un hito en la defensa de los derechos de autor.
En estos grabados, Hogarth desenmascara el fariseísmo y la hipocresía de fórmulas sociales, la crueldad de los convencionalismos.
La carrera del libertino (El libertino en el manicomio), 1735
El cuadro “La Carrera del libertino” nos muestra desde la depravación y el ocio hasta el crimen y la muerte, o “Los cuatro grados de la crueldad”, desde un niño maltratando a un gato hasta el adulto convertido en asesino brutal. Cualquiera que viera las series de sus cuadros comprendería todos los lances y todas las lecciones que enseñaban a través de unos temas que resultaban edificantes y a la vez aleccionadores.
Amante del teatro y sobre todo de Shakespeare, se identificó con la gran tradición literaria de su contemporáneos como Samuel Richardson o Henry Fielding, pintó también, aunque con menor fortuna temas históricos y bíblicos, y también excelentes retratos, en algunos de los cuales no puede evitar su espíritu moralista.
Su obra religiosa “Tríptico de la Ascensión” (1753), Bristol, ha sido injustamente calificada de torpe y diletante. Su carácter polifacético se revela también en originales tratados teóricos, como el antiacadémico “Análisis de la belleza” (1753), así como en el estilo personal de sus retratos “El capitán Thomas Coram” (1740).
Capitán Thomas Coram, 1740
Hijo de un maestro de escuela, entró en 1712 en el taller de un orfebre y grabador, que despertó su interés por el grabado en cobre. Continuó sus estudios en la Vanderbank´s Academy de St. Martin´s Lane y en la escuela de pintura de Thorn-hill, pintor de la corte, con cuya hija se casaría en 1729 y cuya obra despertaría su ambición de convertirse en pintor de cuadros históricos. Esta ambición que mantuvo toda su vida, no se vio nunca coronada por el éxito.
Este joven grabador inglés que tuvo que vivir ilustrando libros. Quien sintió que llevaba dentro un pintor tan bueno como aquellos cuyas obras se hacían venir de fuera por centenares de libras; aunque advirtió que no existía público en Inglaterra para el arte contemporáneo. Como consecuencia de ello, se puso deliberadamente a crear un nuevo tipo de cuadros que atrajeran a las gentes de su país. Se dio cuenta de que se manifestaba allí la tendencia a preguntar: ¿Para qué sirve un cuadro? Y decidió que para atraer a las personas formadas en la tradición puritana, el arte debía poseer una utilidad evidente. De acuerdo con ello, concibió una serie de cuadros que enseñaran las recompensas de la virtud y las consecuencias del pecado.
En Hogarth, lo verdadero se expresa en el inconformismo de su estilo, en una postura poco pretenciosa que relega toda necesidad de representación tras la reproducción insobornable de lo observado.
Personalidad de las más ricas y preclaras de su tiempo, en materia de arte fue un autodidacta, inclinado en principio moderadamente hacia la pintura de estilo flamenco “Jan Steen” y más tarde, poco a poco, hacia experiencias muy distintas entre sí, incluso divergentes, como la de Rubens, Chardin y Rembrandt. Hogarth estudió atentamente a los maestros del pasado y sus procedimientos para conseguir efectos pictóricos; conoció los procedimientos de los artistas italianos de su época, de pintores venecianos como Guardi, de quien aprendió el recursos de evocar la imagen de una figura con unas cuantas pinceladas briosas.
Sus grabados “La carrera de la prostituta“(1732), “La carrera del libertino” (1735) y “Matrimonio a la moda” (1742-1744) fueron rápidamente apreciados y celebrados, de modo que Hogarth tuvo que protegerse jurídicamente contra los plagios. Estas obras que fueron copiadas e imitadas descaradamente por otros, hizo que el artista luchase para que el Parlamento aprobase la ley del “copyright” de 1735, marcó un hito en la defensa de los derechos de autor.
En estos grabados, Hogarth desenmascara el fariseísmo y la hipocresía de fórmulas sociales, la crueldad de los convencionalismos.
La carrera del libertino (El libertino en el manicomio), 1735Óleo sobre lienzo, 62,5 x 75 cm.
Museo de sir John Soane, Londres
El cuadro “La Carrera del libertino” nos muestra desde la depravación y el ocio hasta el crimen y la muerte, o “Los cuatro grados de la crueldad”, desde un niño maltratando a un gato hasta el adulto convertido en asesino brutal. Cualquiera que viera las series de sus cuadros comprendería todos los lances y todas las lecciones que enseñaban a través de unos temas que resultaban edificantes y a la vez aleccionadores.
Amante del teatro y sobre todo de Shakespeare, se identificó con la gran tradición literaria de su contemporáneos como Samuel Richardson o Henry Fielding, pintó también, aunque con menor fortuna temas históricos y bíblicos, y también excelentes retratos, en algunos de los cuales no puede evitar su espíritu moralista.
Su obra religiosa “Tríptico de la Ascensión” (1753), Bristol, ha sido injustamente calificada de torpe y diletante. Su carácter polifacético se revela también en originales tratados teóricos, como el antiacadémico “Análisis de la belleza” (1753), así como en el estilo personal de sus retratos “El capitán Thomas Coram” (1740).
Capitán Thomas Coram, 1740Óleo sobre lienzo, 239 x 147,5 cm
The Coram family, Foundling Museum, London
A la muerte de Thornhill, Hogarth se encargó de la dirección de su escuela, no tuvo sucesores directos, pero su obra sentaría las bases de una tradición pictórica inglesa, sobre todo en el dominio del retrato.
FINALIDAD DIDÁCTICA.-
Una cuestión que facilita la comprensión de la pintura de género es el hecho de evaluar en qué medida asume una función de simple distracción o si, por el contrario, encierra una verdad moral o social. En el siglo XVIII, pintores como William Hogarth, trataron de hacer que el género adquiriera una nueva dignidad al aproximarlo a las categorías literarias en boga: la comedia o el drama burgués.
Hogarth empleaba la ironía para condenar los vicios aristocráticos y políticos de la época, las imágenes en un primer momento pintadas y posteriormente difundidas, en forma de grabado, se suceden como instantes teatralizados: narran el destino de los personajes, desde los placeres de los inicios hasta la decadencia final.
Characters and Caricaturas, 1743 
The British Library, London
El artista quiere crear una pintura moralizadora recurriendo a la comedia que “corrige las costumbres mediante la risa” (según Hogarth).
SU OBRA MAESTRA. “MATRIMONIO A LA MODA”
Las reglas del ceremonial son las que le dan un carácter satírico.
En 1743 acabó los seis lienzos titulados “Matrimonio a la moda”; en 1745 se publicaron los grabados basados en dicha serie. La sátira brillante que hace de las bodas por dinero, los detalles mordaces de la vida de la clase alta y la maestría en la complejidad de las escenas encuentran su máxima expresión en esta serie, considerada su obra maestra.
Representa imágenes con una ética que parece por completo fuera del ámbito del arte, ya que para Hogarth las consideraciones morales eran infinitamente más importantes que las del arte y la belleza.
Su moralidad estaba fundada en verdades prácticas, buenas y sólidas y no se desviaba con toques de heroísmo, sino que la imbuía de gran fuerza, con tanta vitalidad, que presentó y puso en movimiento tal galería de tipos y personajes cuya ostensible sinceridad prácticamente nos toma por asalto, que cualquier crítica se acalla y las reservas de los más fastidiosos se desvanecen.
Se sabe que alguna vez comentó que creaba “Comedia Pintada” y la consideraba como una obra de utilidad pública.
Scene 1.El contrato matrimonial, 1743
Scene 2. The Tête à Tête
Los dos jóvenes que no se sienten atraídos se pelean.
A William Hogarth le gustaba organizar el espacio de sus cuadros como un escenario teatral y sus obras como series. Logró satirizar con gracia y humanidad.
Hogarth pinta sin malicia, con rostros universales, ya que él no estaba en contra de los individuos sino del matrimonio de conveniencia, de la utilización de los novios para mejorar las finanzas o el rango. Criticó a la sociedad y no a sus victimas.
Sus habilidades se ponen de manifiesto también en la escenografía.
“El matrimonio a la moda” no sólo se pintó. Al igual que otros ciclos de Hogarth, fue ideado al mismo tiempo como modelo para grabados. Las series de grabados constituían una fuente de ingresos para el artista. Una parte de la tirada se vendía por suscripción al precio de una guinea (el importe de dos buenos asientos en el teatro). Una vez publicadas las obras resultaban un cincuenta por ciento más caras.
A Hogarth no le gustaba grabar y encargaba las planchas a expertos franceses. En el Londres de la época había una docena de comerciantes de grabados de cierto nivel. Hogarth tenía una tienda. En Inglaterra resultaba más fácil ganar dinero con hojas satíricas que en ninguna otra parte del mundo.
El Parlamento había abolido la censura y los ingleses mostraban un interés cada vez mayor por la vida social y política. En los cafés había periódicos, las novelas describían la vida de los pobres y los menos favorecidos, y no sólo los artistas gráficos sino también muchos escritores (Henry Fielding, Lawrence Stern), asociaron la crítica con el chiste, la moral con el humor.
Scene 3. The Inspection
El marido se busca un amante.
LOS ACTORES DE HOGARTH NO TIENEN GUIÓN, PERO LOS CUADROS HABLAN Y EXPONEN SU MORAL SIN PALABRAS
William Hogarth censuró determinadas situaciones inmorales de la sociedad por medio de sus populares series ilustrativas, “Las moral pictures”.
Por aquel entonces todavía se creía que los cuadros que representan escenas bajas eran indignos e inapropiados para el arte augusto. Por esta razón, los óleos satíricos como la parodia que se ve en “El contrato matrimonial” no encontraron mucho eco. Por el contrario, sus grabados en cobre, elaborados ingeniosamente según sus propios cuadros, sí fueron solicitados.
Con los grabados más baratos, no sólo llegó a un sector de la población mucho más amplio, sino también a uno que se diferenciaba del público artístico tradicional y que encontró de buen gusto esta serie de ilustraciones costumbristas.
Para el espíritu ilustrador francés, Inglaterra representaba muy a menudo un modelo que debía seguirse. El constante crecimiento de la conciencia de la burguesía fomentó en Inglaterra una posición en la que el interés se encontraba en cosas substanciales y no en imaginaciones mitológicas.
El calificativo “a la moda” viene a decir que lo hacía todo el mundo pero no era bueno.
A Harlot´s Progress, 1732
FINALIDAD DIDÁCTICA.-
Una cuestión que facilita la comprensión de la pintura de género es el hecho de evaluar en qué medida asume una función de simple distracción o si, por el contrario, encierra una verdad moral o social. En el siglo XVIII, pintores como William Hogarth, trataron de hacer que el género adquiriera una nueva dignidad al aproximarlo a las categorías literarias en boga: la comedia o el drama burgués.
Hogarth empleaba la ironía para condenar los vicios aristocráticos y políticos de la época, las imágenes en un primer momento pintadas y posteriormente difundidas, en forma de grabado, se suceden como instantes teatralizados: narran el destino de los personajes, desde los placeres de los inicios hasta la decadencia final.
Characters and Caricaturas, 1743Andrew Edmunds, London
Cuando, en muchos de sus cuadros, hace hincapié una y otra vez en la función de la peluca; exagerándola irónicamente como ridículo símbolo de poder de jueces envejecidos y faltos de interés, de petimetres de punta en blanco, de nobles engreídos; cuando muestra cómo la peluca resbala del poco pelo de un galán medio borracho, cómo la deja alguien a un lado, quitándosela deliberadamente, está ejerciendo un a forma de crítica.
Hogarth, es el testimonio de la cultura de su entorno en la Gran Bretaña Georgiana. Pone en imágenes el humor y las convenciones, la sátira y lo imaginario. Apunta a la moralización de la sociedad y a la expresión de una filosofía. Retratista célebre y pintor de escenas de la vida londinense mundana o popular, da a leer sus narraciones y sus descripciones pictóricas, tan pronto esbozadas como finalmente acabadas.
Apasionado por la libertad, proclama también la dignidad y la felicidad de los hombres, denuncia a la nobleza corrompida y desposeída de poder, la religión triunfante que se apoya en la ignorancia y la credulidad, la corrupción de los magistrados, los políticos perversos, la violencia del pueblo, la moda y sus artificios. A todo esto “responde, pictóricamente, Hogarth mediante la insolencia o por una provocación trivial” (P. Georgel, 1978).
El retratista elabora composiciones originales cuando pinta a sus amigos o su entorno, o cuando se pinta a él mismo.
Hogarth hace que nazca una escuela de pintura británica, de la que él es el representante más eminente. Su arte moralizador, cuya ambición es dar lecciones edificantes al pueblo, se opone al arte oficial, aristocrático, de su tiempo.
Célebre en vida, Hogarth conquista un lugar importante y reconocido a través de los siglos.
Artista con mucha inventiva, inaugura un género nuevo al que denomina “tema moderno y moral” y que desarrolla en series.
Este “pintor de historia cómica” (Fielding, 1742) introduce en Inglaterra las conversations pieces. Es el primer retratista de envergadura en describir a la burguesia.
Pinta alrededor de 200 lienzos y realiza más de 250 estampas.
Hogarth, es el testimonio de la cultura de su entorno en la Gran Bretaña Georgiana. Pone en imágenes el humor y las convenciones, la sátira y lo imaginario. Apunta a la moralización de la sociedad y a la expresión de una filosofía. Retratista célebre y pintor de escenas de la vida londinense mundana o popular, da a leer sus narraciones y sus descripciones pictóricas, tan pronto esbozadas como finalmente acabadas.
Apasionado por la libertad, proclama también la dignidad y la felicidad de los hombres, denuncia a la nobleza corrompida y desposeída de poder, la religión triunfante que se apoya en la ignorancia y la credulidad, la corrupción de los magistrados, los políticos perversos, la violencia del pueblo, la moda y sus artificios. A todo esto “responde, pictóricamente, Hogarth mediante la insolencia o por una provocación trivial” (P. Georgel, 1978).
El retratista elabora composiciones originales cuando pinta a sus amigos o su entorno, o cuando se pinta a él mismo.
Hogarth hace que nazca una escuela de pintura británica, de la que él es el representante más eminente. Su arte moralizador, cuya ambición es dar lecciones edificantes al pueblo, se opone al arte oficial, aristocrático, de su tiempo.
Célebre en vida, Hogarth conquista un lugar importante y reconocido a través de los siglos.
Artista con mucha inventiva, inaugura un género nuevo al que denomina “tema moderno y moral” y que desarrolla en series.
Este “pintor de historia cómica” (Fielding, 1742) introduce en Inglaterra las conversations pieces. Es el primer retratista de envergadura en describir a la burguesia.
Pinta alrededor de 200 lienzos y realiza más de 250 estampas.
The British Library, LondonEl artista quiere crear una pintura moralizadora recurriendo a la comedia que “corrige las costumbres mediante la risa” (según Hogarth).
SU OBRA MAESTRA. “MATRIMONIO A LA MODA”
Las reglas del ceremonial son las que le dan un carácter satírico.
En 1743 acabó los seis lienzos titulados “Matrimonio a la moda”; en 1745 se publicaron los grabados basados en dicha serie. La sátira brillante que hace de las bodas por dinero, los detalles mordaces de la vida de la clase alta y la maestría en la complejidad de las escenas encuentran su máxima expresión en esta serie, considerada su obra maestra.
Representa imágenes con una ética que parece por completo fuera del ámbito del arte, ya que para Hogarth las consideraciones morales eran infinitamente más importantes que las del arte y la belleza.
Su moralidad estaba fundada en verdades prácticas, buenas y sólidas y no se desviaba con toques de heroísmo, sino que la imbuía de gran fuerza, con tanta vitalidad, que presentó y puso en movimiento tal galería de tipos y personajes cuya ostensible sinceridad prácticamente nos toma por asalto, que cualquier crítica se acalla y las reservas de los más fastidiosos se desvanecen.
Se sabe que alguna vez comentó que creaba “Comedia Pintada” y la consideraba como una obra de utilidad pública.
Scene 1.El contrato matrimonial, 1743Óleo sobre lienzo, 70 x 91 cm.
The National Gallery, Londres
En una serie de 6 cuadros Hogarth explica la historia ficticia de un matrimonio de conveniencia, que acabará violenta y mortalmente, entre el hijo de un conde y la hija de un rico comerciante.
Los cuadros sirvieron de modelo a la serie correspondiente de grabados en cobre, que fueron encargados anticipadamente, incluso antes de que el pintor los hubiera terminado y encontraron gran aceptación en toda Europa.
“El contrato matrimonial”, pintado según la perspectiva caballera típica del siglo XVIII, puede observarse a la izquierda de la habitación una pareja de novios, sentados en un sofá, que no muestran ningún interés el uno por el otro.
A la derecha los padres negocian. El conde necesita la dote de su nuera para financiar un palacio en construcción que se ve a través de la ventana. Además todos lo detalles del cuadro, incluso las pinturas más pequeñas (copias de italianos) apuntan hacia el curso de los acontecimientos.
La historia que narra la serie trata sobre un aristócrata pobre que quiere casar a su hijo, un vizconde, con la hija de un hombre rico. De este modo su hijo adquiere una buena dote y la muchacha un título nobiliario, lo que actualmente se llama un matrimonio de conveniencia.
La serie se inicia con la presente obra: “El contrato matrimonial”. Aparece representado lord Squander discutiendo los términos del contrato con el concejal y el abogado.
Mientras, el abogado Silvertongue se dedica a cortejar a la muchacha, que acabará convirtiéndose en su amante.
Todo indica que este matrimonio basado en el dinero y la vanidad acabará rompiéndose de la forma más dramática posible.
Lord Squander muestra un pergamino en el que aparece representado el árbol genealógico de su familia, en el que figura Guillermo el Conquistador como su antepasado.
Los perros que aparecen unidos por cadenas en el primer plano de la composición aluden a la unión que se va a producir entre el vizconde y la muchacha rica.
En una serie de 6 cuadros Hogarth explica la historia ficticia de un matrimonio de conveniencia, que acabará violenta y mortalmente, entre el hijo de un conde y la hija de un rico comerciante.
Los cuadros sirvieron de modelo a la serie correspondiente de grabados en cobre, que fueron encargados anticipadamente, incluso antes de que el pintor los hubiera terminado y encontraron gran aceptación en toda Europa.
“El contrato matrimonial”, pintado según la perspectiva caballera típica del siglo XVIII, puede observarse a la izquierda de la habitación una pareja de novios, sentados en un sofá, que no muestran ningún interés el uno por el otro.
A la derecha los padres negocian. El conde necesita la dote de su nuera para financiar un palacio en construcción que se ve a través de la ventana. Además todos lo detalles del cuadro, incluso las pinturas más pequeñas (copias de italianos) apuntan hacia el curso de los acontecimientos.
La historia que narra la serie trata sobre un aristócrata pobre que quiere casar a su hijo, un vizconde, con la hija de un hombre rico. De este modo su hijo adquiere una buena dote y la muchacha un título nobiliario, lo que actualmente se llama un matrimonio de conveniencia.
La serie se inicia con la presente obra: “El contrato matrimonial”. Aparece representado lord Squander discutiendo los términos del contrato con el concejal y el abogado.
Mientras, el abogado Silvertongue se dedica a cortejar a la muchacha, que acabará convirtiéndose en su amante.
Todo indica que este matrimonio basado en el dinero y la vanidad acabará rompiéndose de la forma más dramática posible.
Lord Squander muestra un pergamino en el que aparece representado el árbol genealógico de su familia, en el que figura Guillermo el Conquistador como su antepasado.
Los perros que aparecen unidos por cadenas en el primer plano de la composición aluden a la unión que se va a producir entre el vizconde y la muchacha rica.
Scene 2. The Tête à TêteLos dos jóvenes que no se sienten atraídos se pelean.
A William Hogarth le gustaba organizar el espacio de sus cuadros como un escenario teatral y sus obras como series. Logró satirizar con gracia y humanidad.
Hogarth pinta sin malicia, con rostros universales, ya que él no estaba en contra de los individuos sino del matrimonio de conveniencia, de la utilización de los novios para mejorar las finanzas o el rango. Criticó a la sociedad y no a sus victimas.
Sus habilidades se ponen de manifiesto también en la escenografía.
“El matrimonio a la moda” no sólo se pintó. Al igual que otros ciclos de Hogarth, fue ideado al mismo tiempo como modelo para grabados. Las series de grabados constituían una fuente de ingresos para el artista. Una parte de la tirada se vendía por suscripción al precio de una guinea (el importe de dos buenos asientos en el teatro). Una vez publicadas las obras resultaban un cincuenta por ciento más caras.
A Hogarth no le gustaba grabar y encargaba las planchas a expertos franceses. En el Londres de la época había una docena de comerciantes de grabados de cierto nivel. Hogarth tenía una tienda. En Inglaterra resultaba más fácil ganar dinero con hojas satíricas que en ninguna otra parte del mundo.
El Parlamento había abolido la censura y los ingleses mostraban un interés cada vez mayor por la vida social y política. En los cafés había periódicos, las novelas describían la vida de los pobres y los menos favorecidos, y no sólo los artistas gráficos sino también muchos escritores (Henry Fielding, Lawrence Stern), asociaron la crítica con el chiste, la moral con el humor.
Scene 3. The InspectionEl marido se busca un amante.
LOS ACTORES DE HOGARTH NO TIENEN GUIÓN, PERO LOS CUADROS HABLAN Y EXPONEN SU MORAL SIN PALABRAS
William Hogarth censuró determinadas situaciones inmorales de la sociedad por medio de sus populares series ilustrativas, “Las moral pictures”.
Por aquel entonces todavía se creía que los cuadros que representan escenas bajas eran indignos e inapropiados para el arte augusto. Por esta razón, los óleos satíricos como la parodia que se ve en “El contrato matrimonial” no encontraron mucho eco. Por el contrario, sus grabados en cobre, elaborados ingeniosamente según sus propios cuadros, sí fueron solicitados.
Con los grabados más baratos, no sólo llegó a un sector de la población mucho más amplio, sino también a uno que se diferenciaba del público artístico tradicional y que encontró de buen gusto esta serie de ilustraciones costumbristas.
Para el espíritu ilustrador francés, Inglaterra representaba muy a menudo un modelo que debía seguirse. El constante crecimiento de la conciencia de la burguesía fomentó en Inglaterra una posición en la que el interés se encontraba en cosas substanciales y no en imaginaciones mitológicas.
El calificativo “a la moda” viene a decir que lo hacía todo el mundo pero no era bueno.
A Harlot´s Progress, 1732Andrew Edmunds, London
Scene 4. The Toilette
La esposa recibe a su amante mientras la peinan.
Sentado en el sofá de la derecha el abogado Silvertongue (lengua de plata), por su forma de sentarse evidencia una superioridad con respecto al resto de invitados.
Le enseña unas entradas para un baile de mascaras a Lady Squander (el verbo en inglés significa “derrochar”)
Los invitados beben chocolate y escuchan a un cantante acompañado por un flautista.
Del respaldo de la silla de peinar cuelga una cinta roja con un sonajero. Esto significa que Lady Squander ya ha sido madre.
Encima de la puerta de la alcoba y del tocador lucen sendas coronas, esto quiere decir que el esposo ya es Lord, es decir, que su padre ha muerto.
El peluquero comprueba la temperatura de las tijeras.
Lady Squander viene de gastar dinero en una subasta. Los objetos que ha comprado pueden verse en el extremo inferior derecho del cuadro.
El cantante posiblemente es un castrado y disimula su pérdida con ropa muy lujosa. Luce pendientes, anillos en los dedos, diamantes en la aguja de la corbata y hebillas adornadas en las rodillas y zapatos.
Los castrados despertaban pasiones. La dama con los brazos abiertos parece querer lanzarse a sus pies.
El flautista ofrece un bonito contraste.
El papel del hombre con los bigudíes en el pelo no está claro. No puede tratarse del marido, ya que no coincide con las representaciones de los cuadros, y no le corresponde estar en el nivel de su esposa.
El niño arrodillado con turbante indio parece como encontrarse en casa. Señala el muñeco con cuerpo de hombre y cornamenta, un símbolo del marido carnudo. Pero también es la imagen del dios cazador de la mitología, Acteón, que sorprendió a la Diosa Diana bañándose desnuda, fue transformado en ciervo como castigo y acabó devorado por sus propios perros.
Marriage a la Mode, Plate 4, The Toilette, 1745
Hogarth escondió, a medias, la novela francesa “La sopha” (al colocarla entre las piernas del abogado y el respaldo del mueble en el que está sentado).
El libro camuflado en el cuadro es de Crébillon el Joven. Se publicó en Francia en 1740 y la traducción inglesa apareció en 1741. Constituía la lectura preferida de todos los inclinados al erotismo.
La obra de Crébillon es una versión de los cuentos de “Las mil y una noches”. La novela es casi coetánea del cuadro, una réplica francesa de la sólida serie de Hogarth.
Hogarth supo como nadie tomar el pulso de la calle.
Scene 5. The Bagnio
El abogado se escapa por la ventana del dormitorio mientras la dama adúltera se arrodilla a los pies de su esposo. Los ha pillado “in fraganti” y ha recibido una estocada mortal.
Las series de Hogarth son predecesoras del cómic. Fue el primer pintor importante de Inglaterra sin una formación clásica. Se interesaba más por la sociedad de su tiempo que por los temas de la antigüedad.
Fue un invento suyo, o al menos él fue el primero en realizarlo de manera artística, el presentar una historia desconocida para el público en varios cuadros y sin texto. Se basaba en la cultura general de sus clientes, en su manera de pensar, sus gustos y prejuicios.
A Hogarth le costó trabajo vender los seis cuadros juntos. Eran muchos, y además, los amantes del arte que podían comprar lienzos preferían colgar en sus paredes pinturas que ennoblecieran al hombre y al mundo de la manera tradicional, en lugar de ridiculizarlos.
Scene 6. The Lady´s Death
La viuda se envenena, ya que su amante ha sido condenado a muerte y ejecutado.
Una doncella acerca a la moribunda a su hija para que pueda besarla por última vez.
El airado padre de la mujer le quita el caro anillo del dedo.
En Londres en la década de 1740, los niños no llegaban a la edad adulta, sólo el veinticinco por ciento, eran en mayor medida los hijos de los pobres.
En este matrimonio de conveniencia su hija tampoco vivirá. Lo pone de manifiesto Hogarth en su último cuadro. Representa a la niña con una mancha negra de sífilis, herencia del padre, y con una pierna deforme.
Sus cuadros, en efecto, parecen una representación muda en la que todos los personajes tuvieran señalado su papel, manifestando claramente su sentido por medio de los ademanes y el empleo adecuado de la escenografía. Hogarth comparó este nuevo tipo de cuadro con el arte del dramaturgo y del director de escena. Hizo todo lo posible para destacar lo que llamaba el carácter de cada personaje, no sólo por su rostro sino también por sus vestidos y conducta. Cada una de sus secuencias gráficas puede ser leída como una narración.
Esta modalidad de su arte tal vez no fue tan enteramente nueva como él creyó, como ya sabemos, todo el arte del medievo utilizó las imágenes como enseñanza.
William Hogarth continua siendo un pintor no sólo por su manera de manejar el pincel y distribuir la luz y el color, sino también por la gran habilidad que demuestra en agrupar y repartir sus personajes.
Bibliografia:
Londres
Este personaje autodidacta, desdeñoso de toda cultura, este inglés que no deseaba ser nada más, tuvo cierta influencia sobre los más cultos, refinados, inteligentes, estudiosos y cosmopolitas pintores ingleses; fue instigador y primer presidente de la Academia Real, gran aficionado y coleccionista y un perfecto caballero, autor de importantes escritos sobre arte.
Scene 4. The ToiletteLa esposa recibe a su amante mientras la peinan.
Sentado en el sofá de la derecha el abogado Silvertongue (lengua de plata), por su forma de sentarse evidencia una superioridad con respecto al resto de invitados.
Le enseña unas entradas para un baile de mascaras a Lady Squander (el verbo en inglés significa “derrochar”)
Los invitados beben chocolate y escuchan a un cantante acompañado por un flautista.
Del respaldo de la silla de peinar cuelga una cinta roja con un sonajero. Esto significa que Lady Squander ya ha sido madre.
Encima de la puerta de la alcoba y del tocador lucen sendas coronas, esto quiere decir que el esposo ya es Lord, es decir, que su padre ha muerto.
El peluquero comprueba la temperatura de las tijeras.
Lady Squander viene de gastar dinero en una subasta. Los objetos que ha comprado pueden verse en el extremo inferior derecho del cuadro.
El cantante posiblemente es un castrado y disimula su pérdida con ropa muy lujosa. Luce pendientes, anillos en los dedos, diamantes en la aguja de la corbata y hebillas adornadas en las rodillas y zapatos.
Los castrados despertaban pasiones. La dama con los brazos abiertos parece querer lanzarse a sus pies.
El flautista ofrece un bonito contraste.
El papel del hombre con los bigudíes en el pelo no está claro. No puede tratarse del marido, ya que no coincide con las representaciones de los cuadros, y no le corresponde estar en el nivel de su esposa.
El niño arrodillado con turbante indio parece como encontrarse en casa. Señala el muñeco con cuerpo de hombre y cornamenta, un símbolo del marido carnudo. Pero también es la imagen del dios cazador de la mitología, Acteón, que sorprendió a la Diosa Diana bañándose desnuda, fue transformado en ciervo como castigo y acabó devorado por sus propios perros.
Marriage a la Mode, Plate 4, The Toilette, 1745Andrew Edmunds, London
Hogarth escondió, a medias, la novela francesa “La sopha” (al colocarla entre las piernas del abogado y el respaldo del mueble en el que está sentado).
El libro camuflado en el cuadro es de Crébillon el Joven. Se publicó en Francia en 1740 y la traducción inglesa apareció en 1741. Constituía la lectura preferida de todos los inclinados al erotismo.
La obra de Crébillon es una versión de los cuentos de “Las mil y una noches”. La novela es casi coetánea del cuadro, una réplica francesa de la sólida serie de Hogarth.
Hogarth supo como nadie tomar el pulso de la calle.
Scene 5. The BagnioEl abogado se escapa por la ventana del dormitorio mientras la dama adúltera se arrodilla a los pies de su esposo. Los ha pillado “in fraganti” y ha recibido una estocada mortal.
Las series de Hogarth son predecesoras del cómic. Fue el primer pintor importante de Inglaterra sin una formación clásica. Se interesaba más por la sociedad de su tiempo que por los temas de la antigüedad.
Fue un invento suyo, o al menos él fue el primero en realizarlo de manera artística, el presentar una historia desconocida para el público en varios cuadros y sin texto. Se basaba en la cultura general de sus clientes, en su manera de pensar, sus gustos y prejuicios.
A Hogarth le costó trabajo vender los seis cuadros juntos. Eran muchos, y además, los amantes del arte que podían comprar lienzos preferían colgar en sus paredes pinturas que ennoblecieran al hombre y al mundo de la manera tradicional, en lugar de ridiculizarlos.
Scene 6. The Lady´s DeathLa viuda se envenena, ya que su amante ha sido condenado a muerte y ejecutado.
Una doncella acerca a la moribunda a su hija para que pueda besarla por última vez.
El airado padre de la mujer le quita el caro anillo del dedo.
En Londres en la década de 1740, los niños no llegaban a la edad adulta, sólo el veinticinco por ciento, eran en mayor medida los hijos de los pobres.
En este matrimonio de conveniencia su hija tampoco vivirá. Lo pone de manifiesto Hogarth en su último cuadro. Representa a la niña con una mancha negra de sífilis, herencia del padre, y con una pierna deforme.
Sus cuadros, en efecto, parecen una representación muda en la que todos los personajes tuvieran señalado su papel, manifestando claramente su sentido por medio de los ademanes y el empleo adecuado de la escenografía. Hogarth comparó este nuevo tipo de cuadro con el arte del dramaturgo y del director de escena. Hizo todo lo posible para destacar lo que llamaba el carácter de cada personaje, no sólo por su rostro sino también por sus vestidos y conducta. Cada una de sus secuencias gráficas puede ser leída como una narración.
Esta modalidad de su arte tal vez no fue tan enteramente nueva como él creyó, como ya sabemos, todo el arte del medievo utilizó las imágenes como enseñanza.
William Hogarth continua siendo un pintor no sólo por su manera de manejar el pincel y distribuir la luz y el color, sino también por la gran habilidad que demuestra en agrupar y repartir sus personajes.
Bibliografia:
Los Maestros de la Pintura Occidental
Mil Pinturas de los Grandes Maestros
Leer la Pintura
Hogarth. Mark Hallet and Christine Riding
Los secretos de las obras de arte
Maestros de la Pintura
E.H.Combrich.La Historia del Arte
LondresEste personaje autodidacta, desdeñoso de toda cultura, este inglés que no deseaba ser nada más, tuvo cierta influencia sobre los más cultos, refinados, inteligentes, estudiosos y cosmopolitas pintores ingleses; fue instigador y primer presidente de la Academia Real, gran aficionado y coleccionista y un perfecto caballero, autor de importantes escritos sobre arte.
22 comentarios:
Henry Fielding,contemporáneo de William Hogarth, en su novela Tom Johnes, se alecciona así a una chica joven: "Tus deseos no tienen ninguna importancia. En esta unión se tiene en cuenta el honor de tu familia y tú tan sólo eres el instrumento".
me ha impresionado leerte... la erudición, las ilustraciones...
me gusta Hogarth
... y también Camille Pisarro
un placer haber llegado hasta aquí
un abrazo
Hogarth arremetió en sus escritos contra "las pinturas negras, oscuras", contra los "Cristos muertos, Sagaradas Familias, Vírgenes y otras desgracias que los anticuarios nos prodigan, a nosotros, los pobres ingleses, apoyándose en los grandes nombres de los maestros italianos".
Un saludo.
Me ha gustado recorrer de tu mano, la bibliografía de este gran artista.
Admiro no sólo la belleza de sus cuadros, sino como bien apuntas, esa manera de retratar y de hacer una valiente censura a esa sociedad de su tiempo.
Un placer como siempre visitarte y aprender con tus escritos.
Sabes, me gusta tu taller de pintura, me recuerdas a mí, yo tambiéb hago lo que puedo con los pinceles y mi bata blanca.
Un abrazo:)
Lo que no pintaría Hogarth hoy en día!!!! (parezco una viejecita de antaño....ja, jaja) Me ha encantado lo que leí. Tan bien expuesto y documentado, da para tenerlo impreso y forma un archivo con tan buen información y explicación. Un placer leerte y visitarte siempre. (no pude encontrar solución a lo que me planteabas de la actualización de tu imagen del blog... lo siento)
muchos besos.
Sin ser yo un amante de la pintura rococó, si reconozco que este pintor británico tiene una calidad ciertamente apreciable, y su contenido satírico le da un interés especial.
Te digo en mi blog que no puedo ayudarte con los problemas de actualización del tuyo, ya lo siento, y que la decisión que tomes sobre el contenido de tu blog sólo te corresponde a ti y por mi parte tengo pensado seguir pasando por aquí.
Abrazos!!
Me encantaron las pinturas, los cuadros, sobre todo la primera que despues la vuelves a poner.
Muy interesante lo que contaste del autor.
Se le considera uno de los pintores ingleses más importantes del siglo XVIII.
Un cronista de la vida de su época muy valorado por su visión de la interpretación satírica que hace de la sociedad británica.
UN PINCEL QUE DESCUBRÍA A LOS QUE TODOS IGNORABAN: los marginados.
Un artista que ridicularizaba los vicios y la hipocresía de las clases altas y evidenciaba las diferencias sociales que se expresaban de manera violenta en el paisaje urbano, en la inmundicia y el caos de las calles de Londres.
Centro de atención en sus cuadros eran las prostitutas, los libertinos, los alcohólicos, los ladrones y los asesinos que vivían al margen de la sociedad respetable.
A fin de cuentas...era cuestión de paciencia..
La sátira es el humor que ha perdido la paciencia.
Escrito por: Giovanni Mosca
Gracias por volver a instruirnos lúdicamente. Besos.
Genial Amigo Calamanda:
Fala com a vida. Com as coisas por tu. Com as sensações com sentimento. Com as emoções com emoção. Descreve Arte com a sua admirável forma sublime.
HOGARTH, um nome a reter.
Nem sei que dizer...?
Talvez, que existam em si, notáveis pensamentos artistícos que nos ultrapassam, pela profundidade. Pela beleza. Pela ternura, de existir. Existe muita entrega, em si, à abordagem dum sem número de pressupostos existenciais preciosos, muito definidos na sua extraordinária mente. Alojados na sua cabeça com magistralidade e encanto.
Fabuloso. Incrível de talento.
Bem-Haja! É mágica a sua arte.
Sem si a Blogosfera perderia o seu maior autor de "arte" linda, fantástica, de maravilhar e de sonho.
Abraço de amizade e comoção
pena
Sabe, há alturas que venho lê-lo à sucapa, sem o dizer a ninguém, a não ser a mim próprio e, pasmo, pelo seu sublime sentir inatingível nas suas opções extraordinárias de arte.
Bem-Haja, amigo que não consigo definir pela magia gigante e enorme como lida com intensidade com as formas e silhuetas artistícas. Soberbo. Magestoso. Defino-o assim...!
Siempre tan instructivo tu blog, da gusto pasear por un lugar donde sabes seguro que encontrarás algo que seguro desconocías de algún autor.
Yo era en mis tiempos de instituto una apasionada del período rococó. De esos tiempos me queda aún el gusto por un cuadro en concreto que quizás dentro de lo que fué la época no es lo que mas típico se pueda considerar,el Guilles de Watteau
lo conservo en el lateral de mi blog para así verlo cada vez que entro.
Un placer
enamoré de Hogarth hace años cuando vi una exposición suya (miento, fueron dos y no sólo estaba él, una en París y otra en el Prado)... Mañana en el trabajo me voy a imprimir tu trabajo es digno se saborearlo entre las manos.
Ah, y no suelo presentarme a concursos, primero me producen ansiedad y luego cuando no me veo entre los nominados(soy peor que una niña) me entra una profunda tristeza porque me doy cuenta que en esto de la escritura no... y al fin y al cabo escribo porque me gusta, me divierte, ¿para que voy a pasar sofocones innecesarios?
besitos y buen domingo
"Los espejos se emplean para verse la cara, el arte para verse el alma"
(George Bernard Shaw)
Un abrazo.
Leyendo tu interesantísimo trabajo (tu blog me ilustra desde que lo conzco) se me ocurre una pregunta: de haberte conocido Hogarth, ¿cómo crees tú que te hubiera pintado?
Estimado César. Contestando a tu pregunta, en esta ocasión, Hogarth pintaría el cuadro de la siguiente forma: Se trasladaría al interior de El Bergante.
El Capitán John W Hawker en una afán de venganza, ya que de joven había pertenecido a la Armada Británica, en un temible abordaje al HMS Victory, uno de los navíos más famosos de la flota inglesa del siglo XVIII, rapta a la hija del Capitán, hermosa joven de la larga cabellera rubia. La encierra en el mejor camarote de El Bergante, el suyo.
Hogarth, en este caso, se inclina por una pintura de género, desempeñaría una función de simple distracción y la aproximaría a una de las categorías literarias en boga: el drama. Representaría la escena como un escenario teatral.
Hogarth, con su agudeza de visión, pintaría una habitación elegantemente decorada: las paredes tapizadas, ricas telas, magníficas porcelanas robadas, bonitos muebles de estilo inglés y por supuesto lo más importante: no puede faltar un espejo.
La joven envuelta en un hado, que gobernaba su destino en ese momento, totalmente decaída y triste, está situada frente al espejo. Absorta en las últimas palabras que le dedicó su enamorado, un joven marino inglés:
“Deja que mi corazón se embriague con una mentira
que se sumerja en tus bellos ojos como en un bello sueño,
y que dormite largo tiempo a la sombra de tus pestañas”
(Baudelaire)
Vestida con un elegante traje de terciopelo rojo con media cola, adornado de encaje de chantilly, con un bonito escote, roto a consecuencia del forcejeo, dejando entrever un precioso corsé de color blanco. Su única obsesión, en ese momento, al verse reflejada en el espejo, es intentar arreglar su hermoso pelo rubio revuelto. Mientras tanto piensa lo que le diría a su amado, si volviera a reunirse con él:
“Entre tus manos quedaré indefensa,
no viviré si no es para buscarte
y cruzaré el dolor para adorarte"
(Silvina Ocampo)
Hogarth pintará la figura de la joven con unas cuantas pinceladas briosas.
Un fuerte abrazo.
Llevo un bién rato por aquí amiga, está deliciosa tu entrada, no conocía apenas nada de arte Rococó, y está realmente interesante...cuantas cositas se aprenden, es una gozada!
Disfruto mucho por aquí..
Un abrazo!!!!
Quería decir...joven de larga
cabellera rubia...y se ha colado un
"la" sin querer.
Hola, aqui ando en mi tiempo libre visitando amigos y amigas,en verdad quisiera dedicar mas tiempo,a veces hay que dividirse,lo importante es disfrutar lo que hecemos,tu entrada esta mas que interesante,me gusta mucho tu blog tiene eso que hace que uno siempre vuelva,te dejo una invitacion para que te vengas a peregrinar un poco por el mio y tambien te mando desde aqui un abrazo muy afectuoso y besos,yo seguire pasando.
¡Uno de los grandes!Deliciosos cuadros y las explicaciones tan bellamente documentadas... Una maravilla de blog. Me doy un paseíto por tu arte. Un saludo.
Pasa cuando puedas por mi blog. Un fuerte abrazo.
He caido de pura suerte por tu blog y es una maravilla leerte, en definitiva pasare mas a menudo para aprender.
Felicidades por el blog por tus comentarios y por tus cuadros, ¡en horabuena!!
Saludos desde México
Una vez más, no conocía Hogarth, y aunque me hubiera cruzado con su pintura, sin la ilustración literaria me hubiera pasado seguramente inadvertido, al no comprender el trasfondo de su mensaje pictórico.
Sigo pensando en la hermosa aportación cultural de tu Página, en la que incluyes tus cuadros, que aunque no se pueden ver en toda su dimensión y matices, parecen muy buenos.
Como imagino que dominarás el francéss, te incluyo un pequeño pensamiento de mi autoría en la lengua de Molière...
"C'est la roue de la fortune, celle qui roule impitoyable vers le zéro de la banque ... il atteint seulement le meilleur, le nombre inespéré, qui ne le mérite pas...qui ne pourra jamais atteindre le bonheur...."
-azpeitia- 22 de Mayo de 2009
un abrazo de azpeitia
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