Gustav Klimt escribió : “Estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos. Las palabras habladas o escritas, no me salen con facilidad, especialmente cuando tengo que decir algo sobre mi mismo o sobre mi trabajo…Si alguien quiere descubrir algo en mi …, puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y lo que quiero”.
Sin embargo, el hombre poco interesante será uno de los creadores más originales en las primeras décadas del siglo XX.
Sin embargo, el hombre poco interesante será uno de los creadores más originales en las primeras décadas del siglo XX.
RETRATO DE HERMINE GALLIA (1903-1904)
Óleo sobre lienzo, 170,5 x 96,5 cm
Nacional Gallery, Londres.
Esta obra iniciada en 1903 y expuesta inconclusa en la muestra que al año siguiente la Secesión dedicaba a Gustav Klimt, es uno de los primeros retratos por encargo dentro de la producción del pintor en el que aparecen los elementos decorativos de tipo geométrico tan característicos de sus creaciones posteriores, aunque en este caso intervengan de una forma casi imperceptible en la parte inferior del vestido y en la alfombra sobre la que se sitúa la mujer. Pero la obra se concibe en un estilo altamente naturalista.
Hermine Gallia (1870-1936), fue miembro de una de las familias más importantes en la Viena de comienzos de siglo en lo que a economía y protección de las artes se refiere.
Hermine Gallia aparece elegantemente vestida en un traje de gasas, encajes y bordados representado en todo su esplendor volumétrico y lumínico gracias a una postura, intermedia entre el retrato de perfil y el retrato frontal, que facilita el giro de la cola sobre la alfombra. Tras realizar alrededor de 40 bocetos, semejante recurso fue el que permitió al pintor concentrar la atención en la gran masa de telas bajo la cual se disuelve el cuerpo de la retratada.
Como en la mayor parte de los retratos realizados por este artista vienés, el de Hermine Gallia representa a una mujer de gran belleza, cuyo rostro está enmarcado por su cabellera negra recogida sobre la nuca. Aunque en esta pintura Klimt no utiliza un colorido demasiado amplio ni contrastado, es evidente que con una restringida gama consigue unos resultados extraordinarios.
Las tonalidades cambiantes del vestido, así como las del fondo del cuadro, son de gran suavidad y elegancia. El carácter vaporoso de la tela de gasa del vestido está conseguido aplicando una técnica de pincelada suelta y visible.
Esta obra iniciada en 1903 y expuesta inconclusa en la muestra que al año siguiente la Secesión dedicaba a Gustav Klimt, es uno de los primeros retratos por encargo dentro de la producción del pintor en el que aparecen los elementos decorativos de tipo geométrico tan característicos de sus creaciones posteriores, aunque en este caso intervengan de una forma casi imperceptible en la parte inferior del vestido y en la alfombra sobre la que se sitúa la mujer. Pero la obra se concibe en un estilo altamente naturalista.
Hermine Gallia (1870-1936), fue miembro de una de las familias más importantes en la Viena de comienzos de siglo en lo que a economía y protección de las artes se refiere.
Hermine Gallia aparece elegantemente vestida en un traje de gasas, encajes y bordados representado en todo su esplendor volumétrico y lumínico gracias a una postura, intermedia entre el retrato de perfil y el retrato frontal, que facilita el giro de la cola sobre la alfombra. Tras realizar alrededor de 40 bocetos, semejante recurso fue el que permitió al pintor concentrar la atención en la gran masa de telas bajo la cual se disuelve el cuerpo de la retratada.
Como en la mayor parte de los retratos realizados por este artista vienés, el de Hermine Gallia representa a una mujer de gran belleza, cuyo rostro está enmarcado por su cabellera negra recogida sobre la nuca. Aunque en esta pintura Klimt no utiliza un colorido demasiado amplio ni contrastado, es evidente que con una restringida gama consigue unos resultados extraordinarios.
Las tonalidades cambiantes del vestido, así como las del fondo del cuadro, son de gran suavidad y elegancia. El carácter vaporoso de la tela de gasa del vestido está conseguido aplicando una técnica de pincelada suelta y visible.
El rostro queda enmarcado por el cabello negro y el rubor de las mejillas se acentúa para conferir mayor expresividad y belleza.
La riqueza de la vestimenta que lleva Hermine Gallia se pone sobre todo de manifiesto en el bello bordado que luce en la zona de la cintura. Acordes con este detalle están las sortijas de piedras preciosas que se ven en sus manos.
El retrato responde al gusto típicamente modernista en los contornos de la retratada, deudores tanto del ritmo sinuoso del Art Noveau como de los perfiles de las geishas de las estampas japonesas que se manejaban en la época, y en la atmósfera armoniosa del conjunto tan cercana a los retratos de sociedad realizados por James Mc-Neill Whistler.
La obra originariamente en la colección de la familia Gallia, perteneció al profesor Hans Jahre de Viena hasta que en 1976 pasó a formar parte de los fondos de La Nacional Gallery de Londres.
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La obra originariamente en la colección de la familia Gallia, perteneció al profesor Hans Jahre de Viena hasta que en 1976 pasó a formar parte de los fondos de La Nacional Gallery de Londres.
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SIGLO XIX – Art Nouveau – KLIMT
El año 1886 es una fecha clave para comprender el comienzo del cambio de las sensibilidad estética europea, se celebraba la última exposición impresionista con la que, simbólicamente se cerraba un periodo artístico nacido en la década de 1860, dejando su lugar a unas nuevas generaciones de creadores cuyos planteamientos eran bien distintos: Crear un arte basado en las experiencias humanas, como la invención, el sentimiento o las emociones. El artista crearía a su manera las formas y los colores. Movió a numerosos artistas a realizar un arte que fuese una evasión del mundo. Tendencias y corrientes como el Simbolismo o el Art Nouveau encarnaron estas nuevas ideas que por su modernidad, ya anunciaban los planteamientos de muchos de los movimientos de los primeros años del siglo siguiente (cubismo, arte abstracto…) no obstante fue un poco antes, en el mismo seno del Postimpresionismo. Tenemos que enfrentarnos a figuras como Paul Gauguin y Vincent Van Gogh en las que se pueden entrever algunos de los rasgos propios de la época que también engendraría a otro gran creador como Gustav Klimt.
El Art Nouveau constituyó un amplio movimiento artístico que floreció entre 1890-1905 en Europa y en Estados Unidos. Antes de aplicarse a dicho movimiento, el término Art Nouvea designó al establecimiento que Samuel Bing inauguró en Paris, en 1895, una galería especializada en artes decorativas y objetos del lejano Oriente, que también expuso las obras de algunos artistas europeos contemporáneos.
Empezó a difundirse en Viena y Munich a través de una asociación artística fundada en 1897, conocida como secesión. El Art Nouveau preconizó la unidad de todas las artes, algo que se había perdido en el siglo XIX.
CARACTERISTICAS PRINCIPALES.
Las representaciones privilegiaron las curvas femeninas, el mundo vegetal y la repetición de movimientos geométricos, y las composiciones de carácter simplificado, renunciaron a la profundidad. Las pinceladas libres plasmaron arabescos, esquematizando y perfilando las formas, y en su renuncia al volumen, los artistas pintaron vastos planos de colores intensos y uniformes.
El año 1886 es una fecha clave para comprender el comienzo del cambio de las sensibilidad estética europea, se celebraba la última exposición impresionista con la que, simbólicamente se cerraba un periodo artístico nacido en la década de 1860, dejando su lugar a unas nuevas generaciones de creadores cuyos planteamientos eran bien distintos: Crear un arte basado en las experiencias humanas, como la invención, el sentimiento o las emociones. El artista crearía a su manera las formas y los colores. Movió a numerosos artistas a realizar un arte que fuese una evasión del mundo. Tendencias y corrientes como el Simbolismo o el Art Nouveau encarnaron estas nuevas ideas que por su modernidad, ya anunciaban los planteamientos de muchos de los movimientos de los primeros años del siglo siguiente (cubismo, arte abstracto…) no obstante fue un poco antes, en el mismo seno del Postimpresionismo. Tenemos que enfrentarnos a figuras como Paul Gauguin y Vincent Van Gogh en las que se pueden entrever algunos de los rasgos propios de la época que también engendraría a otro gran creador como Gustav Klimt.
El Art Nouveau constituyó un amplio movimiento artístico que floreció entre 1890-1905 en Europa y en Estados Unidos. Antes de aplicarse a dicho movimiento, el término Art Nouvea designó al establecimiento que Samuel Bing inauguró en Paris, en 1895, una galería especializada en artes decorativas y objetos del lejano Oriente, que también expuso las obras de algunos artistas europeos contemporáneos.
Empezó a difundirse en Viena y Munich a través de una asociación artística fundada en 1897, conocida como secesión. El Art Nouveau preconizó la unidad de todas las artes, algo que se había perdido en el siglo XIX.
CARACTERISTICAS PRINCIPALES.
Las representaciones privilegiaron las curvas femeninas, el mundo vegetal y la repetición de movimientos geométricos, y las composiciones de carácter simplificado, renunciaron a la profundidad. Las pinceladas libres plasmaron arabescos, esquematizando y perfilando las formas, y en su renuncia al volumen, los artistas pintaron vastos planos de colores intensos y uniformes.
GUSTAV KLIMT
El pintor manifestó: “No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante”.
El austriaco Gustav Klimt (1862-1918) pintor y artista gráfico de fuerte personalidad y gran talento, fundó en 1897 el movimiento vienés secesión. Klimt tradujo las ideas abstractas en símbolos poéticos, gracias a la aplicación de pan de oro y plata a la pintura, la estilización de las curvas femeninas y la decoración de los cuadros con profusión de motivos inspirados en los mosaicos bizantinos.
Su pintura inicial estaba inspirada en los suntuosos diseños decorativos de Makart (el llamado “príncipe de los pintores”).
Debe sus influencias al impresionismo, simbolismo y al Art Nouveau. Con su obra de gran simbolismo, mostró una especial sensibilidad por la belleza y el misterio femenino. Influyó en artistas como Kokoschka y Schiele.
Gustav realizó algunos viajes, visitando Munich una de las ciudades más vanguardistas del momento. En este viaje pudo conocer la obra de Fernand Khnopff, cuyo estilo simbolista influirá en los trabajos realizados por Gustav entre 1895-1898.
Una de las principales exposiciones del grupo secesionista será la organizada en 1902, dedicada a la escultura de Beethoven realizada por Max Klinger. Para este importante evento, Klimt pinta una de sus obras fundamentales: El Friso de Beethoven. Richard Wagner, presente a través de la obra de Klimt y que celebra justamente, el “Friso de Beethoven”, inspirado en la novena sinfonía y que relata en forma alegórica la salvación del hombre a través del arte.
Detalle del Friso de BeethovenTambién en 1903 hace un importante viaje por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, interesándose por los mosaicos bizantinos, que decoran las iglesias de San Vital y San Apolinar. Algunos estudiosos sugieren que esta doble visita a Rávena provocará el inicio de “su fase dorada”, cuyas obras más importantes son “El beso” y el retrato de Adele Bloch-Bauer I.
El Beso
Retrato de Adele Bloch-Bauer IEn 1909 visita París, interesándose especialmente por la obra de Toulouse-Lautrec y de los fauvistas, encabezados por Matisse. También le llaman la atención los trabajos de Van Gogh, Gauguin y Munch. A su regreso a Viena se produce un importante cambio en su pintura ya que finaliza la época dorada y empieza la etapa identificada como caleidoscópica, ya que el decorativismo y la diversidad de colores se adueñan de las telas, como se puede observar en Muerte y Vida o el retrato de Eugenia Primavesi
Retrato de Eugenia Primavesi
Será en 1911 cuando realice un largo viaje por Europa visitando diversas ciudades, entre ellas Madrid, donde pudo contemplar los trabajos de su admirado Velázquez. No olvidemos que Klimt llegó a manifestar que solo había dos pintores en la historia: Velázquez y él mismo.
Karl Moll decía: “Le gustaba levantarse temprano y necesitaba hacer ejercicio… No descansaba a mediodía. Con frutas y dulces tenía bastante hasta la cena, que tenía que ser de lo más abundante”.
La muerte de la madre del pintor en 1915 supondrá un duro golpe para él, provocando que su paleta se haga más oscura, lo que conducirá a que sus paisajes tiendan al monocromatismo.
Lo que se conoce de su personalidad es fundamentalmente gracias a terceras personas, recuerdos de amigos o comentarios de sus seguidores. En uno de los textos se le describe: “Es bajo y corpulento, más bien grueso, atlético…, posee unos modales divertidos, rudos y genuinos, la piel morena de un marino, pómulos marcados y ojos pequeños vivaces. Quizás para alargar un poco su rostro lleve el pelo levantado a la altura de las sienes. Esto es lo único que de lejos, permite intuir a un individuo cuya ocupación es el arte. Tiene una voz potente y habla con un acento marcado. Le gusta mucho bromear”
Otros textos en cambio le describen como una persona ”callada”.
El completo desinterés del propio Klimt hacia su persona se manifiesta en la inexistencia de autorretrato alguno, a excepción de una pequeña caricatura y algunos elementos de ciertas obras que se han considerado como autorretratos.
No era una persona social, sino más bien un hombre solitario, y la preocupación de sus hermanos era evitarle las molestias de la vida diaria. “Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…”
Arte refinado y decorativo, cuyas suntuosas alegorías femeninas chocan a menudo a sus contemporáneos, al igual que las elucubraciones inquietantes del Dr. Freud. Sus paisajes, más bien tardíos en su obra, no responden a ninguna exigencia topográfica ni naturalista. De formato a menudo cuadrado y sin abrirse a ninguna lejanía, aparecen más bien como superficies planas con motivos geométricos, como el mosaico de los “Rosales bajo los árboles”.
Rosales bajo los árboles En sus obras del último año del siglo XIX muestran la determinación del pintor por continuar arriesgando en sus creaciones artísticas.
Schiller dijo: “Si no puedes agradar a todos con tus acciones y tu arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo”.
Las palabras de Schiller con que había ilustrado su representación de Nuda Veritas dos años antes tomaban su aplicación práctica: la verdad sólo se puede dar tal cual es, desnuda, sin ropajes o máscaras. Y toda la controversia suscitada por su obra no hacía sino reflejar la dialéctica entre tradición y modernidad.
Nuda VeritasLa mayoría de sus cuadros están cargados de un sentido lírico-decorativo y retratan a mujeres fatales, jóvenes, pelirrojas y sensuales.
Murió en el año en el que también desaparecerán grandes figuras de la creación como: Otto Wagner, Koloman Moser y un joven Egon Schiele.
El legado artístico de Gustav Klimt requiere, y seguirá requiriendo, nuevas retrospectivas que nos aproximen a una obra que, en tanto eterna, será siempre inagotable.
Como se deduce, Gustav Klimt era una persona introvertida, callada, con un enigmático mundo interior; pero no obstante, una persona que se vio eclipsada como tal por su condición innata de artista.
Gustav Klimt es uno de los creadores más originales de las primeras décadas del siglo XX y más significativos en la Historia del Arte.
Bibliografia:
Museos del Mundo.National Gallery
Mil Pintura de los Grandes Maestros.
Museo d´Orsay.París
Klimt.El artista del alma
Grand Hotel de Paris.Calamanda
¿Habrá que sufrir eternamente, o eternamente
huir de lo bello? ¡Déjame, Naturaleza,
hechicera sin piedad; rival siempre victoriosa!
¡Cesa de tentarme, en mis deseos y en mi
orgullo! El estudio de la belleza es un
duelo en el que el artista grita de
espanto antes de ser vencido.
El confiteor del Artista
De Spleen de París (Baudelaire)
El padre del simbolismo fue el poeta francés Charles Baudelaire, una de las figuras clave, junto a Klimt del simbolismo pictórico
25 comentarios:
-La armonía es la base de la teoría del color.
-La melodía es la unidad en el color, o el color general.
-La melodía requiere una conclusión, es un conjunto en que todos los efectos concurren
a un efecto general.
-Por eso la melodía deja en el espíritu un profundo recuerdo.
-A la mayor parte de nuestros jóvenes coloristas les falta melodía.
-La mejor manera de saber sí un cuadro es melodioso, consiste en mirarlo desde bastante lejos como para no comprender su tema ni sus líneas. Si es melodioso, tiene
aún así un sentido y ha tomado desde entonces su lugar en el repertorio de recuerdos.
-El estilo y el sentimiento en el color provienen de la elección y la elección depende del temperamento.
DEL COLOR
De curiosidades estéticas-Salón 1846 Charles Baudelaire
La obra de Gustav Klimt combina sensualidad, expresividad, pasión y la dedicó a sus mujeres con las que tuvo más de 30 hijos.
Fue un artista muy adelantado a su tiempo que obtuvo el reconocimiento en París pero el desprecio en Viena, su ciudad natal, donde se le tachó de escandaloso.
Su arte se basa en supeditar el detalle al conjunto , el ornamento a la expresión global,que es, en definitiva, una característica que define a las gentes de su época: un momento en el que la Humanidad se perdió en los detalles (que siempre son los más importantes)
Para saber bien las cosas, hay que conocerlas con todo detalle; y como los detalles son casi infinitos, nuestros conocimientos son siempre superficiales e imperfectos.
François de la Rochefoucauld.
¡Qué bien transmitido está el saber en tu blog!
Nuestras horas son minutos
cuando esperamos saber,
y siglos cuando sabemos
lo que se puede aprender.
(Antonio Machado)
Hace ya unos años, mientras estaba estudiando Historia del Arte, tuve la oportunidad de viajar a Madrid y ver una exposición sobre la Sezession vienesa en la que había, como no, algunas obras de Klimt, una exposición que se me quedó grabada. Una de las mejores que he visto nunca.
Una vez más nos premias con un excelente artículo, y el poema de Beudelaire, simplemente sublime.
Buen fin de semana!!
Exactamente así, habríamos de ver a Klimt a través de sus trazos, estudiar su delirio en los colores, analizar su miedo en los espacios... Yo me encuentro en los signos y en la interlínea duerme mi ansiedad y descansa mi pluma voladora.
Lady Halcón
Me gusta, Calamanda, vaya vida te pegas nena y no me digas no. Eres una viajera romántica, chiqui. Besitos para todos los alados de casa.
Desde que vi una obra de Klimt por primera vez...ya forma parte de mi vida...y ahora sé mas...con tu post..gracias, un trabajo magnífico y delicioso el paseo por aqui...
¡Muy bonito este nuevo trabajo!
Los simbolistas encontraron un apoyo paralelo en los escritores.
En un manifiesto literario publicado en 1886,Jean Moréas definió este nuevo estilo:
¨Enemigo de la enseñanza, la decla
mación,la falsa sensibilidad,la
descripción objetiva¨.
En el tiempo de mi juventud,armoniosa lira,
Como el agua bajo las flores,así
cantaba tu voz.
Y ahora, ay,eres un sobrío delirio:
Tus cuerdas al vivrar ensagrientan
mis dedos.
(Jean Moréas )
Un beso.
Como siempre Calamanda nos sorprendes con un matiz nuevo, esta vez de Gustav klimt, que es mucho más que el archiconocido "el beso".
Lady Marian como siempre es un lujo leer tus sabias palabras.
Quiero aprovechar este atractivo foro para hablar en favor de la película de Mickey Rourke "El luchador".
Como un viejo centauro del desierto, Rourke vuelve de sus cenizas y realiza el papel de su vida. Y es que quizás sea su vida misma. Cuando estás en la cima todos te adoran, pero tienes que pagar un precio muy duro. Y cuando no eres nadie la soledad te corroe.
Con sus cicatrices vividas en demasia, Rourke muestra la cara más dura de Hollywood. Pero como la industria hollywoodense es tan demoledora y cruel, le puso el caramelo del Oscar en la boca para quitárselo en el último segundo. Marisa Tomei que es otra luchadora que vive y sufre una vida irreal, luchará por conseguir algo mejor.
Película cruel y demoledora en la que nos muestra unos personajes de carne y hueso.
Espero que Rourke no tire la toalla y se de una nueva oportunidad.
Feliz Semana Calamanda.
buenos días Calamanda. el otro día mientras regresaba a casa me fui leyendo tu trabajo. Eres muy buena, que lo sepas. besotes
Un placer descubrir tu casa y gracias por la visita.
Volveré por estos lares con toda la continuidad que los hados me permitan e iré leyendo los posts antíguos, creo que son muy interesantes.
bss de esta enamorada de la obra de Klimt
Muy buenas las pinturas, el texto y la información.
Realmente un blog de esos cargados de cosas para admirar el tuyo, en donde los ojos no te alcanzan para tratar de que nada se escape.
¿Ves?, por acá ando Calamanda.
:)
Extraordinario pintor y buen trabajo.
Klimt, quien a lo largo de toda su obra ensalza a la mujer, le reserva el papel principal ya en sus primeras pinturas. Cuando pinta al hombre, lo hace contra su gusto y forzado por el tema.
Saludos.
querida andaluza, un post de lujo como siempre, de esos de leer, releer y tener a mano porque siempre encontramos algo más para recordar y aprender. Qué maravilla la percepción que cada uno tiene de sí mismo.... ese hombre que tanto trasmitió en su obra, cuánto tenía en sí de interesante....
(Aprovecho para comentarte que realmente me ha resultado una pena que Miguel cerrada su blog. No pierdo la esperanza de que cambie de idea y vuelva a esta blogósfera donde lo tuve de compañero desde que comencé en esto. Si llego a tener noticias, te las comentaré,aunque estoy segura, de que por mi aquí debe andar porque esta "adicción" no se borra de un plumazo.) un beso.
Foi um encontro especial este com Gustav Klimt e o teu blogue. Já estive no Palácio de Belvedere, e fiquei na Österreichische Galerie até fecharem as portas do Palácio e me porem na rua, literalmente. Em 5 Novembro de 2007, fiz um post que se te deres ao trabalho de ver, tem uma cópia do "Beijo" que fiz para um amigo. Vou voltar porque gosto de aprender e o teu blog é muito didáctico...
Beijo.
António
Oh, Linda Amiga:
Desculpe não estou em casa.
Escrevo-lhe de um Hotel algures do Planeta.
OBRIGADO sincero e sentido pela sua amizade linda.
A arte com que nos agracia é poderosa, soberba e doce. Ímpar de de encanto efascínio.
Adorei! Tanto talento e genialidade. Perfeita expressão de um terno, majistral e garndioso sentimento artístico. Sublime.
Saio daqui maravilhado e deslumbrado com tanta beleza e expressão admirável do seu "sentir" muito belo, acredite?
A sua visita é uma honra...oportunamente agradacer-lhe-ei como é devido pela preciosidade humana que é.
Desculpe-me!
Beijinhos agradecidos com ternura e fascínio.
A MINHA SINCERA GRATIDÃO.
É um Ser Humano perfeito que concebe Arte perfeita....
Com respeito e estima gigantes
pena
Quando regressar a casa irei de imediato ao seu maravilhoso e doce blog de sonhar e sonhar...
Desculpe!
Me encanta Klimt, y reconozco que lo que él dice, acerca de que a un pintor se le conoce a través de su obra, es muy cierto. El resultó ser toda una revelación!
Un abrazo Calamanda:)
FELIZ DÍA DE LA MUJER
Te dejo un trozo del poema que he subido en mi blog este día muy especial..
Mujer
Mi suspiro
No llega ni al ápice del respiro,
Sin tu vientre
No soy nada
Ni seria el que escribe estos versos
Con olor a ternura milenaria
Si no hubiese nacido arrancado de tu vientre
Madre
Mujer
Compañera
Todo, en este mundo
Todo
saludos fraternos con mucho cariño
felicitacione s por difundir......pétalos de los artistas y escritores!!
Muy buena la información. Lo lei todo sin parar. Es muy interesante, las pinturas muy bonitas también.
Amiga Genial:
Pura e simplesmente extraordinário.
Perfeito!
Beijos de respeito
Peter Pan/Pena
OBRIGADO sentido pela sua amabilidade gigante, de um génio artístico inconfundível e visível com uma magia na concepção da Arte profunda e extraordinária, que vive consigo, sente, "respira" e se repercute no que,fabulosa e encantadoramente, faz.
Abraço agradecido de um respeito enorme.
pena
Sim! Também sou o Peter Pan. Sou Professor!
http://ocantinhodaterrado nunca.blogspot.com/
MUITO OBRIGADO pela sua simpatia que retribuo.
Es precioso el cuadro y el beso me fascina.
Sin duda aquí lo geométrico se reduce porque desea enfatizar la figura femenina, expresa su gran admiración hacia la belleza en la mujer.
Lo que se aprende de pintura contigo.
Bss guapa.
Qué envidia, en Paris¡¡¡
Por cierto felicidades, te va muy bien el blog.
Muy interesante también este pintor, pero al final sublimándolo todo tu imagen, distinguida, preciosista, de cálida mirada que sostiene la de quien te contempla, en un entorno fastuosamente acogedor...¡que envidia!....un beso de azpeitia
FASCINANTE BLOG. AMO LA PINTURA Y pinto, empíricamente, en todas las técnicas que fui y voy descubriendo, me encanta encontrar ARTISTAS que plasmen su poesía sobre un lienzo o el material que le sea dúctil a su estilo.
Te sigo en mis blogs, para tenerte "muy a mano" de mis querencias.
Un saludo grande desde Venezuela.
Migdalia
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