"Formas únicas de continuidad en el espacio", 1913.
Bronce ( vaciado en 1931), 111,2x 88,5x 40cm.
MoMA. Nueva York.
Foto de Calamanda.
Foto de Calamanda.
"Formas únicas de continuidad en el espacio" tiene un gran parecido y muy profundo con una clásica obra de hace más de dos mil años, la "Victoria de Samotracia". En esta obra de Boccioni el artista da forma escultórica a la velocidad y la fuerza.
MoMA. Nueva York.
Foto de Calamanda.
Sus líneas desbordan los límites del cuerpo y la figura avanza.
Sus líneas parece que se rizan en banderas curvas y aerodinámicas, como moldeadas por el viento a su paso.
Boccioni estuvo dos años estudiando y desarrollando esas formas en dibujos, pinturas y esculturas, con estudios muy rigurosos de la musculatura en el hombre.
El resultado de esta obra es un retrato tridimensional de un cuerpo poderoso en acción.
Es a comienzos del siglo XX como si la fuerza inédita de la maquinaria y la velocidad engendraran una energia social radical, más tarde las nuevas tecnologías y su ideario revelarían aspectos amenazadores, pero para Boccioni que era un artista futurista fueron muy tonificantes.
"Formas únicas de continuidad en el espacio". Boccioni.
Foto de Calamanda.
Boccioni que era un gran innovador, ni él mismo estuvo a la altura de su ambición, en 1912 había denostado la sumisión de la escultura a la imitación ciega de las fórmulas heredadas del pasado y sobre todo al peso de Grecia.
Si comparamos la velocidad en la "Victoria de Samotracia" con esta obra de Boccioni, en la primera se aprecia en los paños de piedra que envuelven la figura y aquí es el propio cuerpo lo que se remodela.
"Las hermanas Wyndham. Lady Elcho, Mrs Adeane y Mrs Tennant, 1899. Sargent. The Metropolitan of Art, Nueva York Wolfe Fund. Catherine Lorillard Wolfe Collection. Foto de Calamanda.
Sargent había pintado interiores venecianos con figuras a principios de la década de 1880, en los que ya se percibía el eco velazqueño. El artista nos muestra en su obra verazmente y con gran acierto un aspecto profundo del carácter de la época y la sociedad que retrataba.
Sargent crea un espacio para sus figuras inspirado en las ambigüedades de Velazquez, se aprecia una sugestión que parece fluir desde un significado oculto que, como en las novelas de su amigo Henry James nos desvela poco a poco, pero nos deja con gran sutileza zonas en sombra. La gran habilidad de Sargent para captar la verdadera naturaleza de las relaciones entre los personajes agradaba a su amigo escritor Henry James y en sus novelas mostró una gran capacidad para revelar todo lo que permanecía escondido en la sociedad de su tiempo.
The Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Foto de Calamanda.
"Las hermanas Wyndham. Lady Elcho, Mrs Adeane y Mrs Tennant, es uno de los mejores retratos de grupo de Sargent. En esta obra, la elegancia, acentuada por los largos y delgados cuellos de las tres hermanas se convierte en una especie de tour de force para el artista, que se encontraba en el ápice de su carrera. Las ricas telas en un suave oleaje parecen fluir a lo ancho del primer término de la composición y que el artista enfrenta al espectador de modo directo.
Por encima de las hermanas, vemos el retrato de su madre, obra de George Frederic Watts, homenaje a un pintor precedente de Sargent en su concepción de la figura, sobre las hermanas anima la oscura y alta pared, en un contraste acusado entre las dos partes de la composición.
Foto de Calamanda.
En la primera década del siglo, en la cumbre de su carrera, Sargent fue requerido por numerosos aristócratas. El cambio de clientela trajo consigo una modificación en su tratamiento de la figura que podemos advertir, de un modo más claro, en sus retratos de grupo, subordinaron la anterior fluidez con la que retrataba a las familias de la alta burguesía a composiciones más formales y estáticas, utilizando los recursos del retrato de gran estilo y que su referencia más clara se encuentra en la tradición inglesa.
" Y después de llorados en sus casas por seis días, los enterraban en unas bóvedas o cuevas que tenían ya hechas para eso, envolviéndolos en mantas finas, poniéndoles a la redonda muchos bollos de maíz..." (Fray Pedro Simón)
Museo Nacional de Bogotá. Foto de Calamanda.
LA MOMIFICACIÓN EN COLOMBIA Y SUS PRÁCTICAS FUNERARIAS.
Los cuerpos que eran sometidos al proceso de momificación, por lo general, pertenecían a personas de la élite religiosa o política de las comunidades. Se han hallado también momias de niños que posiblemente fueron hijos de estas personas de gran importancia.
Las momias estaban consideradas como un símbolo de poder.
Afirman algunos cronistas que durante los enfrentamientos, los muiscas llevaban momias en andas para representar el poder y el espíritu del líder muerto, así, de esta manera, se buscaba inspirar valor entre los guerreros que llevaban el cuerpo y en el adversario el temor.
Museo Nacional de Bogotá. Foto de Calamanda.
Las momias finalmente eran depositadas en su lugar de reposo, que generalmente eran cavidades y grutas naturales. La sequedad del clima de esos parajes ayudó a la conservación de los cuerpos. Los indígenas Lache practicaban un sistema de momificación muy similar al de los muiscas. La técnica de momificación que se empleaba comúnmente por los pueblos Muisca, era de carácter artificial. Los órganos internos, en algunos casos, eran extraídos y la cavidad del abdomen y tórax era llenada con piedras preciosas, objetos de oro y de algodón, según los cronistas. Posteriormente el cuerpo era sometido a un proceso de secamiento, suspendido sobre el calor de una hoguera. Los cuerpos momificados eran envueltos en mantas finas de algodón con ofrendas como collares, joyas, herramientas y comidas, en bóvedas y cavernas secretas, preparadas para ese propósito funerario.
"En sus batallas tienen una cosa extraña: que los que han sido hombres afamados en la guerra y están ya muertos les confeccionan el cuerpo con ciertas unturas que queda todo el armazón entero sin despegarse...los traen después a las guerras así muertos, cargados a las espaldas de algunos indios, para dar a entender a los otros que pelean como aquellos pelearon en su tiempo, pareciéndoles que la vista de aquellos les ha de poner vergüenza para hacer su deber. Y así, cuando las batallas primeras que con los españoles tuvieron, venían a pelear con muchos de aquellos muertos a cuestas". (Gonzalo Jiménez de Quezada)
Museo Nacional de Bogotá: Textos, información y fotografías.
Museo Nacional de Bogotá. Foto de Calamanda.
"Cuando los capullos caen de la rama dos veces seguidas no florecerán... ¡Las flores tronchadas por el viento impío se agotan por siempre, por siempre jamás!
¡Los días que fueron, los días perdidos, los días inertes ya no volverán! ¡Qué tristes las horas que se desgranaron bajo el aletazo de la soledad! (Alfonsina Storni)
" Trabajo de dentro a fuera, igual que la naturaleza"
( Jackson Pollock)
Boston. Foto de Calamanda.
Después de la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la celebridad artística más grande de Estados Unidos.
JACKSON POLLOCK, 1912- 1956.
Pollock, nacido en un pequeño pueblo de Wyoming (Cody), personificó el sueño norteamericano cuando su país se enfrentaba a la realidad de la era moderna y que reemplazaba al siglo XIX. En 1942 hace amistad con el surrealista Matta y con Motherwell, la más destacada figura del expresionismo abstracto. Después de 1942 el artista empieza a interesarse por el papel del inconsciente y escribe poemas surrealistas. En su primera época las obras son no-figurativas e incluyen estilizadas formas del arte primitivo, sobre todo indio.
Sin título, hacia 1938-1940. Óleo sobre lienzo, 127x91,4 cm.
Londres, Tate Gallery
La primera etapa, de su obra, estaba influída por Pablo Picasso y Joan Miró, los surrealistas europeos y el arte de los indios norteamericanos.
Para De Kooning, el artista fue un "rompehielos".
Para Max Ernst y Masson, fue un compañero del movimiento surrealista europeo y para Motherwell, Pollock fue un candidato legítimo a la categoría de Maestro de la Escuela Norteamericana.
Sin título (Woman), 1935-1938. Óleo sobre tablero de conglomerado, 35,8x26,6cm.
Kogoshima City(Japón), Nagashima Museum.
Es a partir de 1947 cuando la obra del artista sufre el gran cambio que lo hará famoso y lo convertiría en una de las figuras claves del arte americano.
Es a pricipios de los años 50, cuando el artista también empieza a utilizar y aplicar los colores más libremente y con formatos de grandes dimensiones.
Foto de Calamanda.
A partir de 1947, Pollock, había abandonado desde hacía tiempo el pincel y el caballete y es ahora cuando encuentra finalmente el Drip Painting (pintura de goteo). El artista extendía una tela sobre el suelo y dejaba caer la pintura desde un recipiente perforado, según su estado en ese momento, tenso o relajado, es lo que decide el ritmo, la velocidad y la acción.
Pollock alcanza con esta nueva técnica el cénit de un nuevo proceso creativo.
En la década de 1950, el éxito le había llegado demasiado rápido al artista y con mucha facilidad, se aficionó al alcohol, puso fin a su matrimonio con la pintora Lee Krasner y su vida terminó de la misma forma que el artista cinematográfico, James Dean, al volante después de una noche de copas.
"La Catedral", 1947.
Barniz y pintura de aluminio sobre lienzo, 181,6x89 cm.
Dallas, TX, Dallas Museum of Art.
La Catedral es uno de los primeros ejemplos de su nueva técnica "Dripping" y la había aprendido del método creativo de Max Ernst.
Ernst a principios de los años 40 creó una serie de cuadros en los que empleó el procedimiento de la oscilación y que había inventado él mismo, dejar chorrear un bote de pintura agujereado sobre la tela en el suelo realizando movimientos circulares.
Esta técnica de las drip- paintings tiene el riesgo de ser entendida como un resultado incontrolado de acciones en mayor o menor medida casuales.
En la Catedral, ya podemos apreciar de forma clara el entramado tan denso de los esmaltes que utilizaba Pollock en aquella época.
En su quinta exposición, en 1948, se mostraron por primera vez los drip- paintings y la prensa reaccionó con malestar y enojada. El artista tuvo que defenderse en muchas ocasiones, decían que sus cuadros eran simples explosiones de color carentes de ningún significado.
El crítico Robert Coates escribió con malestar en el New York Times: "Sólo puedo decir de tales obras (...), que parecen ser una mera explosión desorganizada de energía arbitraria y, por tanto, carente de significado".
El artista se defendió de tantos reproches y en una entrevista dijo que gracias a la gran experiencia que tenía era capaz de controlar el chorro de pintura.
Foto de Calamanda. Nueva York.
Orange gead, hacia 1938- 1941. Óleo sobre lienzo, 47,6x40cm.
The Pollock-Krasner Fundation.
Rend and Blue, hacia 1943-1946. Aguada,pintura al temple y tinta sobre tablero aglomerado. 48,6x61cm.
Night Sounds, hacia 1944.Óleo sobre lienzo,109,2x116,8.
The Pollock-Krasner Foundation.
LA TÉCNICA DE POLLOCK.
Pollock dijo en una ocasión que para poder emplear su técnica necesitaba en el suelo una superficie de fondo que tuviera gran resistencia, porque los lienzos todavía no estaban tensados en el bastidor. El artista se desplazaba por encima de la tela en sus grandes formatos, de ahí que muchas veces cuando sus obras estaban ya finalizadas podíamos observar en ellas la huella de sus zapatos.
Fragmento de "Pasifae",1943. Óleo sobre lienzo,142,6x243,8.
The Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
El artista también utilizaba pintura de aluminio y esmaltes industriales. Los colores son americanos, símbolo de la ruptura radical con las tradiciones europeas.
Pollock da color a sus lienzos sin tocarlos, dejando gotear la pintura. Sus composiciones no presentan ningún sentido espacial, no existe arriba y abajo y trataba toda la superficie de la tela con la misma intensidad, él bailaba alrededor de la tela. Crea una estructura global alejada totalmente de la composición tradicional. Sus lienzos son tan grandes que el artista y los espectadores se sienten implicados de igual manera en su composición.
Pollock fue determinante para todos los miembros de la escuela de Nueva York, por su estilo pictórico personal, intuitivo y abstracto.
El artista conseguía sus coloristas y ricos efectos con pocos colores y los tonos pastel, nada más que se limita al rosa salmón.
Totem Lesson, 1945.Óleo sobre lienzo,182,9x152,4cm.
Camberra, National Gallery of Australia.
Composition with Pouring II,1943. Óleo sobre lienzo,64,7x56,2.
Washington.
Pollock alcanza su clímax en su aclamada serie de pinturas con la técnica Dripping. Cuando le decían al artista que su pintura era deshumanizada, contraatacaba esas acusaciones plasmando las huellas de su mano en los extremos superiores de sus obras, así conseguía introducir la presencia humana en el lienzo.
Pollock, como ya he dicho adquirió una gran maestría en el modo de aplicar el color, pudiendo controlar con exactitud la aplicación sin perder por ello la impulsividad.
El artista no solo deja gotear pintura con tubos y botes, también aplica la pintura con cañas y trapos y la mezcla con todo tipo de materiales, como arena, cristales atomizados,etc...y de ahí que le llamaran "Jack the Dripper".
Sus obras revelan que su creación iba acompañada de un fuerte control interior. Él creó la estética de la acción.
Pollock es el pionero de la vanguardia americana de la postguerra y hoy en día se le reconoce el mérito de renovar profundamente la pintura abstracta.
Number 4,1948:Gray and Red. Óleo y escayola sobre papel. 57,4x 78,4 cm. Los Angeles. Frederick R. Weisman Art Foundation.
Portrait and Dream, 1953. Óleo sobre lienzo 148,6x342,2 cm.
Dallas. Dallas Museum of Art.
"Cuando estoy en el cuadro no soy consciente de lo que hago (...) un cuadro tiene vida propia. Intento dejarla emerger."
Sólo es grande el hombre que nunca pierde su corazón de niño.
(José Martí)
Alejandrina Cué González.Cárdenas, 1951.
Mixto/textil, 66x87 cm. 2003
"Yo creo que hay un dios, es el que yo invento"
(Alejandrina Cué González)
"Una de las diferencias específicas entre una pasión amorosa o juego amoroso y una pasión o juego artístico estriba en que, en el amor, las cosas te escogen y en el arte uno las escoge"
"Lo que no digo con mis cuadros, lo digo con mi música".
(Rolando Alvarado Lamorot)
"J´ai laissé mon corps suspendu au temps,
Jeté mon ame au vent pour te chercher.
J´ai usé mes yeux por découvrir des silhouttes
Sur le mur sombre au fond de la nuit..."
Alberto Anido Pacheco, Santa Clara (Villa Clara), 1938.
El fantasma de la ópera. Mixto/cartón, 66.5x42.5 cm. 1990
"En la revista La Brèche de André Breton, varias de mis obras fueron publicadas"
(Alberto Anido Pacheco)
Dionis Taknia Arango Aróstegui.Bauta (La Habana), 1931.
El mirador de Tayaba. Óleo, 95x87 cm. 1996.
"La magia existe cuando hay verdaderamente una calidad creativa"
(Dionis Taknia)
José Basulto Caballero. Cienfuegos, 1953.
Acrílico, 62x84 cm. 2002.
"Yo adoro los globos dirigibles, yo adoro las pinturas"
(José Basulto Caballero)
Pedro Blanco Aroche "Pelly". San Cristóbal Pinar del Rio), 1963.
Cena de boda. Óleo, 47x64 cm. 2002.
"Cada mañana yo ofrezco un vaso de agua a Charly Chaplin para refrescar su espíritu"
(Pedro Blanco Aroche)
"Yo no he estudiado la pintura. Yo soy autodidacta. Mi pintura es diferente y yo me dije que yo no podría jamás ser como ellos. Yo estaba frustrado, pero yo descubrí en 1990 que los que no tienen la facilidad de pintar como los maestros tienen otras ventajas para expresarse y yo decidí sacarle provecho. Yo admiro a Chagall y a Henri Rousseau y, en Cuba, a Zuñiga. Yo amo además la obra de Sorolla... pero yo soy un apasionado de Chagall".
Niña de piel oscura. Acrílico/tela, 102x95 cm. 2002.
Muchacha de piel oscura
eres poéticamente
ninfa de la regia fuente
del templo de la cultura.
Pareces una escultura,
de un capitel bizantino,
Tienes el aspecto fino
de una princesa africana,
Asomada a la ventana;
del palacio del destino...
"Yo no tengo miedo del lienzo, es el lienzo el que tiene miedo de mi"
(Noel Guzmán Bofill Rojas)
Julio Breff Guilarte. Sagua de Tánamo (Holguín), 1958.
Velocidad. Óleo, 60x80 cm. 2000.
"Yo estoy interesado en aprender siempre alguna cosa nueva"
"Yo me pongo todos los días un sombrero porque es el símbolo del campesino".
(Julio Breff Guilarte)
José Antonio Cedeño Labaud. Bayamo (Gramma), 1939.
Un niño de la calle. Óleo, 98x74 cm. 2002.
"Yo hago con la música lo mismo que hago con la pintura"
(José Antonio Cedeño Labaud)
EL ARTE MÁGICO EN CUBA.-
El arte mágico en Cuba, quizás inspirado por fuerzas ocultas, crea con espontaneidad obras que nos arrastran a un mundo donde la belleza es más emocional que visual.
“Para ser mágico, esta belleza no puede y no debe ser: convulsiva, erótica velada… y mágica circunstancial.”
(André Breton)
Son muchos los artistas cubanos que nos ofrecen compartir momentos de su vida y de su sensibilidad a flor de piel, permitiéndonos descubrir un espacio donde lo útil y lo inútil no se oponen.
Estas obras, por el placer estético que procuran, nos introducen a los elementos visibles del mundo pero también con el pasado y el futuro, que son inseparables en la vida.
“El movimiento naïf Haítiano es la experiencia más sorprendente y la única constatada de la pintura mágica del siglo XX”. (André Malraux, “L´intemporel”)
Por magia, las imágenes, las creencias y sus prácticas se funden en una mezcla de saber que producen estas obras, que si son conmovedoras para el creyente, también lo son para el profano.
"Todo me divierte. Yo soy incapaz de entristecer al niño que hay en mí"
(Nicolás Delgado Erustes)
Yanelys García Saavedra. Ciudad de la Habana, 1970.
La bordadora de sueños. Óleo, 93x73 cm. 2001.
" Sí, la Revolución ha hecho mucho por la cultura"
(Yanelys)
La magia debe permitir la comunicación entre los hombres, con señales dictadas por lo invisible, y así sacralizar este fenómeno oculto.
La magiaes un conjunto de creencias y prácticasbasadas en la idea de que las fuerzas ocultas existen en la naturaleza y ésta trata de acercar sus contenidos a lo más profundo del hombre para ser utilizadas para su provecho.
Numerosos son los que piensan que existe una diferencia fundamental entre la magia donde el hombre juega un papel preponderantemente activo y el de la Religión.
Asociar Arte y Magia no nos debe hacer considerar que toda obra espontánea es mágica, aún cuando es el fin más profundo de la irracionalidad del ser.
Arte y Magia encierran la misma idea de misterio y de complementariedad. Ambas hacen referencia a los mismos fenómenos irracionales innatos a la Creación.
Zenia Gutiérrez Alfonso. Martí (Matanzas), 1946.
Las vacaciones. Mixta/cartón, 55x75 cm. 2002.
"Sí yo debiera creer en alguna cosa, yo creería en la religión africana"
(Zenia Gutiérrez Alfonso)
Alicia Leal Veloz. Sancti Spiritus, 1957.
Solas. Acrílico/tela, 54x69 cm. 2001.
"Uno debe dedicar su vida al arte"
(Alicia Leal Veloz)
Oscar Legrá Albert. Baracoá, 1949.
Mixto/cartón, 51.5x34 cm. 1989.
"La escuela refina, pero la cultura es la salida del pueblo"
(Oscar Legrá Albert)
"En África, yo he tenido posibilidades únicas. Yo he investigado sobre las culturas, no como practicante pero si por razones culturales. Yo no practico ninguna religión, yo defiendo las opiniones de cada uno y, a partir de este respeto, yo puedo acceder a todos lugares".
(Oscar Legrá Albert)
Marta Elena López Garcia "Martalena". La Habana, 1956.
El regreso de los Obispos. Óleo, 65x90 cm. 1998.
"Entre los pintores interacionales que yo prefiero, yo puedo citar a Modigliani, Chagall, Kandinsky, Van Gogh, Gauguin. También admiroa todos los pintores contemporáneos cubanos y todos me parecen muy buenos".
(Marta Elena López Garcia)
Aida Ida Morales Hernández. Zulueta, 1931.
Lutin en un nido de "cocuyos". Tinta/cartón, 30x21 cm. 1994.
Vendedor ambulante. Tinta/cartón, 29.5x21 cm. 2003.
Aida Ida Morales Hernández.
"Mi fuente de inspiración está dentro de mi tintero"
(Aida Ida)
Manuel Semanat Beltrán. Santiago de Cuba, 1957.
El árbol de la vida. Óleo, 147x75 cm. 2003.
La calle es su taller, de todos los días, abierto a todos. Él es escultor, pintor y muralista, también poeta.
"Es en mis sueños que yo aplico la santería que yo reflejo enseguida en mis cuadros"
"Yo no soy religioso pero tengo mis creencias
(Manuel Semanat Beltrán)
Bibliografía: Arte Cubano, Art Magique á Cuba (Gérald Mouial)
La Habana. Foto Calamanda.
"La propiedad de la expansión es el principio y el fin de todo arte"
(Johann Wolfgang Goethe)
La Habana. Foto Calamanda.
La Habana. Foto Calamanda.
"Viendo pasar las nubes fue pasando la vida,
y tú, como una nube, pasaste por mi hastío.
Y se unieron entonces tu corazón y el mio,
como se van uniendo los bordes de una herida.
Los últimos ensueños y las primeras canas
entristecen de sombra todas las cosas bellas;
y hoy tu vida y mi vida son como las estrellas,
pues pueden verse juntas, estando tan lejanas ..."
