26 abril 2010

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC. LA NOCHE PARISINA: CENTRO DE LA VIDA Y LA OBRA DE TOULOUSE-LAUTREC.

      La lavandera, 1884.

"El cuerpo de la mujer, un hermoso cuerpo de mujer, ve usted, no está hecho para el amor... es demasiado hermoso, ¿ no es cierto ? "
( Toulouse- Lautrec )

Divan Japonais, 1892/1893.
Litografía a colores (cartel), 80,8 x 60,8 cms.
Colección privada.

" ¡ Carteles, Carteles ! ¡ Ésa es la cosa !
( Toulouse-Lautrec)
                                                  
La gorda Marie, 1884
Óleo sobre tela, 80,7 x 64,8 cms.
Wuppertal, Von der Heydt-Museum-

Misia Natanson: Dígame Lautrec, ¿ por qué hace siempre tan horribles a todas las mujeres?

Toulouse-Lautrec: ¡ Porque lo son !
                                                                                                                                                                                                                            
Tououse-Lautrec fotografiado en 1892.

" ¡ Pensar que nunca habría pintado si mis piernas hubieran sido un poco más largas ! "


HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC.-
                                                
Autorretrato ante el espejo, 1880.
Óleo sobre cartón, 40,3 x 32,4 cms.
Albi, Musée Toulouse-Lautrec.


" ¡ Ah, yo quería ver sobre esta tierra a la mujer que tenga un amante que sea más horrible que yo ! "
(Toulouse-Lautrec)


Toulouse-Lautrec: Pintor y grafista francés.
Albi, 1864 -Castillo de Malromé (Gironde) 1901.
Fue una de las figuras más fascinantes y pintorescas del arte de fines del siglo XIX.
Nacido de una de las estirpes más ilustres del sur de Francia. Hijo único de una familia de la alta aristocracia francesa, de noble cuna, parecía  destinado a una vida de lujos y placeres, pero su mala salud lo impulsaron a seguir la carrera artística.
Sufrió dos caídas que le quebraron las piernas en 1878 y 1879 y a consecuencia de ello quedaron atrofiadas.
Él decidió convertirse en pintor profesional, aunque la prosperidad de su familia le hubiera proporcionado seguridad económica. Sus estudios del ambiente urbano y carteles muestran una imagen adecuada del ambiente de París a finales del siglo XIX.
                                               

Reina de Joie, 1892.
Litografía a colores (cartel) 136,5 x 93,3 cms.
Albi, Musée Toulouse-Lautrec.


Trabajó y vivió en Montmartre, el barrio parisiense de los artistas, donde creó su obra extraordinaria retratando una galería de personajes extravagantes que animaban la vida nocturna de la ciudad, en especial los artistas de cabaret.
En su breve carrera artística produjo una gran cantidad de  obras, pero la vida disoluta que llevó,  le arrastró a ser víctima del alcohol y contraer sífilis, acabó provocándole la muerte cuando sólo tenía treinta y seis años.
Se siente atraído por la vida nocturna de París y por el mundo del espectáculo; frecuenta los cabarets, salas de baile, teatros, burdeles, el circo y representa todo lo que ve de forma realista y con su genial estilo.            
                                                    

Amazona en el Circo Fernando, 1888.
Óleo sobre tela, 100,3 x 161,3 cms.
Chicago, Art Institute of Chicago.


Pinta temas crítico-realistas con un estilo impresionista de tonos claros.
En 1889 se convierte en cliente habitual del " Moulin Rouge " recién abierto.
A partir de 1891 comienza a pintar estilizados e innovadores carteles de grandes superficies de color para decorar locales, cabarets y editoriales, pero será el cartel del cantante Aristide Bruant el que le lanza a la fama.
En 1893 tiene lugar su primera exposición individiual en la Galería Goupil y comienza a vivir en un  burdel parcialmente para reflejar su ambiente en pinturas y dibujos.


    Ambassadeurs, Aristide Bruant, 1892.
Litografía a colores (cartel), 150 x 100 cms.
Colección privada.


De 1894-1897 viaja por diversos países europeos y frecuenta el grupo de los Nabis, pero cada vez más abusa del alcohol.
En 1899 es trasladado  a la clínica siquiátrica de Nevilly, contra lo que sus amigos protestan públicamente. Él sigue bebiendo y pintando, pero en 1901 sufre un ataque de parálisis y muere en el castillo de su madre.
Toulouse-Lautrec destaca tanto en dibujo como en pintura.
Sus litografías y carteles se siguen imprimiendo actualmente.
Fue influido por el impresionismo, pero su obra se caracteriza por sus rasgos marcadamente personales. 
Destacan sus superficies  de color aguadas, transparentes o lavadas y entramados de líneas.

                                                   
La Toilette (Rouse), 1889.
Óleo a la trementina, 97 x 54 cms.
París, Musée d´Orsay.


" Solamente la figura existe, el paisaje sólo es y debe ser un ingrediente. El paisajista puro está todavía en bruto. El paisaje sólo puede servir para el mejor entendimiento del carácter de una figura. Corot es grande solamente por sus figuras, lo mismo que Millet, Renoir, Manet y Whistler. Cuando los pintores de figuras hacen paisajes, los tratan como a una cara; los paisajes de Degas son fabulosos, porque son paisajes de sueños; ¡  los de Carrière son como máscaras humanas ! Monet abandonó la figura, ¡ qué no habría podido hacer ! "
(Toulouse-Lautrec)

                                                     
En "Rat Mort", 1899/1900.
Óleo sobre tela, 55 x 45 cms.
Londres, Courtauld Institute Galleries.


" Las obras me son indiferentes. En el teatro -así sea pésimo- yo me divierto siempre".
(Toulouse-Lautrec)

Poseía un ojo avezado para reproducir la vida tal como se vivía, para él todos son iguales... el intelectual, el caballero de sombrero de copa, el obrero, la chica de servicio, la mujer galante etc.
El mundo de las diversiones nocturnas no era sólo el ambiente en el que se movía el artista durante sus años parisinos, sino que fue la fuente de su inspiración y los motivos de sus trabajos, él veía este mundo no solo con los ojos de su propia sociedad, sino desde el punto de vista de una persona que ya ha superado la diferencias de clase y sus barreras.
El artista describe lo que ve, sin  la arrogancia de creerse socialmente superior.
Lleva sus observaciones al lienzo con una gran sensibilidad y crea cuadros de ambiente realista y estudios de carácter.
Proporciona una visión viva del ambiente del que se han extraído en sus obras.

                                      
El Salón de la Rue de Moulins, 1894.
Óleo sobre tela, 111,5 x 132,5 cms.
Albi, Musée Toulouse-Lautrec.


Para el artista el color es un importante medio de expresión
Independientemente de la técnica que empleara, siempre prefería una superficie mate, subrayada en su atractivo por la fría luminosidad de sus colores, por la yuxtaposición de tonos audaces y por el vigor de su pincelada. Emplea el óleo, la pintura al pastel y la litografía.
                                           

Jane Avril bailando, 1893.
Estudio para cartel, "Jardin de Paris".
Gouache sobre cartón, 99 x 71 cms.
París. Colección Stavros Niarchos.


" He intentado ser veraz y no falsificar ensueños. Tal vez sea un error, pero me es imposible dejar de ver las verrugas; conscientemente las hago más grandes, les agrego pelos desagradables, y les pongo algún pico  brillante. No sé si usted pueda controlar su pluma, pero cuando mi lápiz se mueve, tengo que dejarlo correr si no ... ¡plumps! se acabó".
(Toulouse-Lautrec)

"Jardin de Paris" : Jane Avril, 1893.
Litografía a colores (cartel), 130 x 95 cms.
Colección privada.


Toulouse-Lautrec por su tara física, se consideraba excluído del mundo aristocrático y burgués; la repugnancia por la vida y las enfermedades le hacían buscar refugio entre los explotados y los marginados.
Con sus pinturas mostraba los aspectos más ocultos de una civilización burguesa, que se daba al vicio únicamente en ciertos lugares.
Sus obras contrastan con los cuadros de los pintores académicos y simbolistas de la época.
                                      
 
Moulin Rouge, La Goulue, 1891.
Litografía a colores (cartel), 1914 x 117 cms.
Milán, Civica Raccolta di Stampe Bertarelli.


" Estoy solo todo el día, leo un poco, pero si lo hago mucho rato, me da dolor de cabeza. Pinto y dibujo -sin cansarme- cuanto me da la gana; y cuando empieza a oscurecer me pregunto si Jeanne d´Armagnac, mi prima, vendrá a mi cama. A veces aparece y quiere jugar conmigo, y yo la escucho hablar, sin poderla mirar libremente. ¡ Ella es tan grande y bella ! ¡ Y yo no soy ni grande ni bello ! "
( Toulouse-Lautrec )
                                          
La cama, 1893.
Óleo sobre cartón, 54 x 70,5 cms.
París, Musée d´Orsay.


" Imagínate... cuando uno ve cómo se aman... ¿ qué ve uno ? Técnica de la ternura... "
( Toulouse-Lautrec )
                                                       
El sofá, 1894.
Óleo sobre cartón, 63 81 cms.
Nueva York, Metropolitan Museum of  Art.


" ¡ Siempre escucho burdel ! ¿ Y qué ? En ningún sitio me siento más en casa ".
( Toulouse-Lautrec )

Su estilo y su técnica nos revela a un artista sensible y observador agudo de la condición humana y todas sus obras realizadas en una amplia gama de estilos y técnicas despertó una gran admiración entre el público. Su obra, a pesar de su vida breve y marcada por la enfermedad fue muy amplia. El catálogo publicado en 1971, enumera 275 acuarelas, 737 cuadros, 369 litografías (incluidos los carteles) y unos 5000 dibujos, estas cifras son impresionantes para una carrera que sólo duró quince años.
Los temas de sus obras están representados en ocasiones con espíritu cómico, pero a menudo hay una nota de melancolía más allá del humorismo, de desencanto y en especial de desesperación en las escenas de los prostíbulos, él no se amargaba y trataba los temas con simpatía, pero tampoco se hacía ilusiones con respecto a la vida.

                          

Autocaricatura ante el caballete. Dibujo a pluma.
Albi, Musée Toulouse-Lautrec.


" No puedo, no puedo y tengo que hacerme el sordo y darme de cabeza contra la pared -sí- y todo eso por un arte que huye de mí y que nunca entenderá todo el mal que por él me he echado encima... ¡ Ay, querida abuelita, hace bien usted en no entregarse, como yo de tal modo a la pintura ! Es más cruel que el Latín, si se la quiere ejercer seriamente como yo ".
( Toulouse-Lautrec )
                                             
                                              

Marcelle Lender, 1895.
Litrografía a tiza y pincel, 32,5 x 24,6 cms.
París, Bibliothèque Nationale.


" Siempre y en todos lados lo horrible tiene sus aspectos mágicos; es emocionante encontrarlos ahí, en donde nadie nunca antes se había percatado."
( Toulouse-Lautrec )


SU OBRA MAESTRA: BAILE EN EL MOULIN  ROUGE


Baile en el Moulin Rouge, 1889-1890.
Óleo sobre tela, 115 x 150 cms.
Filadelfia, Museum of Art.


Esta obra es una de las de mayor complejidad del artista. La profundidad del cuadro la sugieren la disposición delantera y posterior de las figuras.
En el centro y rodeados por todos los clientes del local bailan la Goulue y Valentin-le-Dèsossé, que pasarían a la historia del arte gracias a las obras de Lautrec, de igual manera que el Moulin Rouge.
En esta obra observamos la mezcla magistral del espíritu de exageración y observación de Toulouse-Lautrec llevada hasta los límites de la caricatura. En él muestra con todo lujo de detalles el ambiente del nuevo local nocturno de moda de Montmartre.
Las tablas del centro del suelo, en el espacio que queda vacío entre las figuras del primer plano nos lleva la mirada hacia los bailarines situados en el centro de la escena. Detrás de ellos en el tercer plano se encuentran los personajes que acuden al local de moda.
El artista nos invita a participar de la escena al dejar un vacío en el primer plano de la obra.
El hombre de la izquierda que está cortado por el borde del cuadro nos indica que la acción continúa más allá del marco.
La mujer de la derecha del primer plano para los que frecuentan Montmartre se la reconoce como una prostituta. La mujer que está al lado de ella y vestida con traje oscuro sería una amiga, ya que en la época solían ir acompañadas.
El artista recurre a vistosas sombras verdes para evocar las luces artificiales de la sala.
El color verde se yuxtapone al rojo y rosa complementarios en la obra y vemos como en la combinación de colores más bien apagados sobresalen las manchas brillantes del color escarlata.



Los rojos intensos y escarlatas forman una diagonal que va desde la mujer en primer plano de la derecha pasando por las medias rojas de la bailarina hasta la mujer pelirroja del fondo a la izquierda.
El público destaca por una notable combinación de retratos y caricaturas exageradas o simplificadas.
Las enaguas de la bailarina están ligeramente esbozadas con unos rápidos toques de pintura que bastan para que se logre el efecto de revoloteo.
El cuadro que fue expuesto en el Salón de los Independientes de 1890 nos muestra el salón central del Moulin Rouge.
Las faldas levantadas que para la crítica del momento no dejan de expresar reservas morales suscita la curiosidad del público burgués que acude al salón y también despierta la atención de los pintores que tan repetidas veces representaron estas escenas en sus obras.



Foto Calamanda.

" Me impresionaba siempre la forma en que Lautrec cambiaba el tono de su voz cuando se discutía de arte. Él, que era tan cínico en otras ocasiones y de conversaciones morbosas, se ponía de pronto totalmente serio. Para él era una creencia religiosa "
( Edouard Vuillard )

Toulouse-Lautrec libera el mundo de la pintura con su obra de todos los tabúes corrientes, de la misma forma, como lo había hecho Courbet.

04 abril 2010

EGON SCHIELE. EXPRESIONISMO AUSTRIACO.


"También la obra de arte erótica es sagrada"
(Egon Schiele)


"Mi paseo me lleva al abismo"
(Egon Schiele)


"... Los artistas siempre vivirán. - Creo que los grandes pintores siempre pintaron figuras... - Yo pinto la luz que proviene de los cuerpos. -¡ La obra de arte erótica también tiene santidad ! ... - Una única obra de arte es suficiente para lograr la inmortalidad del artista... - Mis cuadros deberían colocarse en edificios similares a templos ".
(Egon Schiele)


"Sé que no existe el arte moderno, sino tan sólo un arte - que es perpetuo- ".
(E. Schiele)

EGON SCHIELE
Egon Schiele. Tulln, 12 de Junio de 1890 -Viena, 31 de Octubre de 1918.
En 1906 se inscribe en la Academia de Viena y en 1907 conoce a Klimt, él se da cuenta de su talento artístico y lo anima a seguir con sus estudios; al año siguiente expone por primera vez en el convento agustino de Klosterneburg.
En 1909 abandona la Academia porque no soporta sus rígidas reglas y obtiene algunos encargos por cuenta de la Asociación vienesa de artes y oficios gracias a Klimt.
Funda el Grupo para el Nuevo Arte Neukunstgruppe ese mismo año, del que es presidente.
En 1911 convive con Wally Neuzil, su modelo de 17 años y sufre un proceso humillante de inmoralidad y corrupción de menores.
En 1913 es admitido en la liga de artistas austríacos, de la Klimt es presidente, expone con otros miembros en Budapest.
En 1915 se casa con Edith Harms. En 1917 su mujer Edith muere de gripe española, en el sexto mes de embarazo, Schiele también contagiado muere tres días más tarde.

                        

Desde el momento en que Klimt lo eligió para una exposición colectiva su talento empezó a consolidarse pese al tratamiento que le daba a sus obras. En muchas ocasiones el erotismo que plasmaba en sus obras le llevó a que lo trataran de obsceno.
Junto a Kokoschka, Schiele fue uno de los artistas más destacados de la pintura expresionista austríaca.
 En muy pocos años recorrió a velocidad de vértigo varias etapas creadoras, desde un academicismo insípido llegó hasta una radicalización total en la fuerza expresiva, con deformaciones, y una arrebatadora gestualidad en el desnudo.
                                                      


Asimiló la influencia de Klimt en su obra, asimilando el modernismo y su estilo decorativo del artista.
Los motivos que predominan en la obra de Schiele son el desnudo y el retrato.
"Seleccionar el contenido fisonómico, a diferencia de los demás expresionistas, no sólo partiendo del rostro de sus modelos. En la obra de Kokoschka, el movimiento de las manos constituía ya con frecuencia un indicio más elocuente que el rostro de la persona retratada. Schiele convierte todo el cuerpo y sus miembros en soportes  pariguales de la expresión artística".
(Dietmar Elger - sobre Schiele)
                                                      
                                                                                   

Schiele con su obra logró más en sus pocos años de existencia que otros muchos artistas en toda una vida, convencido de su extraordinaria importancia como artista.
Es alrededor de 1910 cuando Schiele comienza su imparable e intenso período de creatividad, una gran representación y exposición de la figura humana, incluyendo repetidas veces la suya propia, representa y examina al detalle  una anatomía más espiritual y sicológica que física, pero también pintó retratos formales, paisajes, campos, pero la gran mayoría de sus obras son abiertamente eróticas y si además añadimos su tendencia a utilizar modelos de corta edad, fue lo que le hizo vulnerable a la censura moral. Schiele en 1912 fue condenado a prisión por difundir dibujos pornográficos.
Cuando estuvo encarcelado:

"No me siento condenado sino purificado"
(Egon Schiele)



"Persistiré con gusto por el arte y por mis seres queridos"
(Egon Schiele)




Los autorretratos nunca son simples imágenes reflejas de las personas, es el pintor el que desarrolla de forma activa lo que ve de su yo.
En las épocas de la historia del arte vemos como los autorretratos se van adaptando a las tendencias pictóricas del momento, pero en el caso de la corriente expresionista  revoluciona el orden pictórico tradicional.
Es durante el primer auge de los conceptos radicales vanguardistas, alrededor de 1910, cuando también en Viena se rompen los antiguos moldes pictóricos y especialmente los autorretratos de Schiele los que se aventuran de una manera drástica a esta vía.
El artista realizó 40 autorretratos. Algunas de estas pinturas y dibujos son auténticas obras maestras.
El autorretrato en el caso de Schiele, Paul Hatvani lo describió así en el "Intento sobre el expresionismo":

"La obra de arte expresionista no sólo está unida a la conciencia del artista, sino que es idéntica a ella. El artista crea su mundo en su retrato. El Yo alcanza el poder de una forma divina".                                                                                                                 

Schiele en sus obras se concentra en el tema de la figura humana. Él se quiere expresar como héroe o antihéroe, según lo estime oportuno.
Sus obras sufrieron ataques de todo tipo, pero gracias a su reducido grupo de protectores se pudieron exponer y vender, pero con más éxito en Alemania que en Austria.

                       

Todas las imágenes de Schiele, con toda la carga sexual y sicológica que conllevan, al igual que su erotismo tienen en la obra gráfica y en la pintura un precedente claro.
Es tan particular la obra de Egon Schiele que se resiste a su categorización.

                                                        


Su habilidad en la manipulación de las líneas le dió a sus obras una limpia y brillante expresividad.

A Schiele desde muy joven se le consideró un genio. Debido a sus precarias finanzas en muchas ocasiones se vio obligado a pintar en papel de envolver e incluso en cartón, a utilizar  materiales baratos, en lugar de lienzos y papel especial, por eso nos dejó gran cantidad de sus obras en papel.
Fue en 1918 cuando disfrutó de su primer éxito público en Viena. Ese mismo año la gran epidemia que costó la vida a millones de personas, la misma que acabó con Klimt, también se lo llevó a él a la edad de 28 años.


 

Sus representaciones se concentraban exclusivamente en los contornos, que se convertían exclusivamente en los portadores de la expresión y las formas interiores eran el complemento.
Sus modelos de desnudos poseen la línea decorativa corporal que exigía el Art-Nouveau.
Pintó numerosos cuadros, pero en cuanto a fuerza expresiva no son  inferiores a sus obras sobre papel, su medio expresivo propio sería el dibujo, y es en donde se encuentra sus múltiples variaciones en el desnudo.

                                                   

Acuclillada, 1918. Kauernde.
Tiza negra, 45 x 29,5 cms.
Viena, Graphische Sammlung Albertina



 
Poor boy, 1910.


"Reprimir al artista es un delito, es asesinar vida en gestación"
(Egon Schiele)



Es en los dibujos pequeños de modelos individuales o parejas donde nos muestra situaciones y momentos íntimos para la curiosidad y la vista del público.
                                            

"Todo está muerto en vida"
(Egon Schiele)

Esta cita dice mucho de su arte, que siempre aparece ubicado entre la vida y la muerte, su obra parece estar más cerca de la muerte que de la vida.
Sus retratados aparecen desnutridos y enfermos y muestra casi siempre los cuerpos contorsionados y sus gestos exaltados, la deformación en la representación de sus obras incrementa la fuerza .
En las parejas los cuerpos siempre aparecen abrazándose y las figuras se estrechan.

                                                 

Schiele no busca el equilibrio y la armonía en sus obras, sino que busca tensas contradicciones.
El color lo utiliza sobrio y moderado. Pinta de color los contornos y distribuye el color de tal manera para que confiera volumen a la obra.
Aunque los colores preferidos de Schiele son  los rojos y azules, estos siguen mostrando a sus figuras en estado flácido y enfermizo.
                      
                                                    

"La vaguedad de las figuras, que han sido concebidas como replegadas en sí mismas; cuerpos de hombres cansados de la vida, suicidas, pero también cuerpos de hombres sensibles".
(Schiele al coleccionista Carl Reining-haus)   


 

"Ahora observo sobre todo el movimiento físico de los montes, del agua, de los árboles y de las flores. Todo recuerda movimientos similares en el cuerpo humano, reacciones parecidas de alegría y de dolor en las plantas... "
(Egon Schiele - Carta de 25 de Agosto de 1913)

Autorretrato con vasija negra.-

Autorretrato con vasija negra.
Óleo sobre madera, 27,5 x 34 cms.
Viena. Historisches Museum.

En esta obra vemos que la figura está desplazada al lado izquierdo del cuadro, así vemos que en lado derecho quedan libres zonas más amplias.
Toda la dureza de la obra está plasmada en el lado izquierdo.
El artista tiene el brazo fuertemente apretado contra el tórax y nos da la sensación de que lo llevara atado y forma una "v" con los dedos.
Sus ojos nos miran melancólicos bajo unas cejas arqueadas. Se observa una figura delgada vestido con una camisa de color negro.
Como la fuerza del cuadro se contrae de un modo tan unilateral hacia la izquierda, hace falta otro impulso hacia la derecha, para favorecer la apertura del cuadro, así el artista lo soluciona pintando una masa oscura en el centro que sirve de contraste y que si observamos detenidamente vemos que es una cabeza, con naríz, boca y ojo y que contrasta con la cara del artista.
Más abajo en el centro del cuadro hay una masa multicolor que bien podrían ser libros, contrarrestando el blanco de la derecha y las zonas vacías, recordando el color blanco posiblemente un lienzo.
Sus ojos miran directamente al espectador y atraen su atención gracias a los fuertes contrastes de claro-oscuro.
Esta obra conjuga a la perfección la estrechez y la amplitud, la forma y la deformación y se coordinan entre sí.

                                            
Egon Schiele y Anton Peschka en Krummau, 1910

Heinrich Benesch había contemplado personalmente la forma de trabajar del artista y lo describía así:

"... Su dibujo era algo único. La seguridad de su mano era casi infalible.. Sostenía el tablero de dibujo sobre la rodilla derecha y lo sujetaba con la mano izquierda en el borde superior. Después disponía el lápiz, a pulso, perpendicular  a la hoja y trazaba sus líneas... Y todo era correcto y fijo. Si alguna vez cometía un fallo, lo que ocurría raras veces, tiraba la hoja... Schiele creaba sus dibujos sólo del natural... Realizaba el coloreado siempre sin modelo y de memoria ".


Carta de Egon Schiele a Josef Hoffmann (Página 1/2)

Carta de Egon Schiele a Josef Hoffmann, 1910. (Página 2/2)

Friday.
Please, Professor, how shall
I make the sketch?
Please write me how
which picture or which...

La carta dice:

                                           Viernes. 
Por favor, Profesor, ¿cómo haré 
el bosquejo?
Por favor escríbame ¿cómo
 qué imagen o qué
dibujo de los míos, bien?
No estoy seguro del precio si
serían 500 o 100 coronas cualquiera
es bueno para mí. ¿Cuándo
debo de haberlo terminado?-
Yo volveré
para la reunión
de la exposición de arte. Por favor
escríbame en Krummau.
En gratitud para usted
y saludos sinceros.

Egon Schiele


Schiele. Small tree in late autumn, 1911

Poema de Egon Schiele sobre esta obra: "Country Road"

"Camino rural"

Los altos árboles anduvieron
a lo largo del camino, agitados pájaros
que gorjean entre ellos.- con pasos grandes
 y rojos ojos mezquinos
 yo atravesé los caminos mojados.

Egon Schiele, 1910.


             
Foto Calamanda. Frankfurt.

Esta entrada de Egon Schiele se la dedico con cariño y emoción a J. S. J. Hernando.