04 marzo 2013

KAHLIL GIBRAN. KAHLIL GIBRAN: OBRAS Y MANUSCRITOS. GIBRAN KHALIL GIBRAN.

 
 
 
"...Y la belleza no es una necesidad, sino un éxtasis. No es una sedienta boca, ni una vacía mano extendida. Sino, más bien, un corazón ardiente y un alma encantada: No es la imagen que ves ni la canción que escuchas.
La belleza es una imagen que ves cerrando los ojos y una canción que escuchas tapando los oídos"
 
- Gibran Khalil Gibran, en El Profeta, 1923-
 
 
 
 
 
GIBRAN KHALIL GIBRAN
 
 
Kahlil Gibran, nació en Becharre, Líbano, 1883- Nueva York, EE.UU, 1931.
 
Escritor y pintor libanés, nació el 6 de enero de 1883 en el seno
de una familia católica maronita.
Debido a la dominación turco-otomana, a los doce años se exilió a Estados Unidos junto con su madre y hermanos.
Vivió en Boston hasta los veintiocho años, edad en que se mudó a Nueva York, donde murió el 10 de abril de 1931.
 
Fue un gran artista sobre todo en dibujo y acuarela.
Expuso por primera vez sus dibujos en Boston en 1904.
 
Por un error en la escuela queda registrado como "Kahlil Gibran"
 
 
 
 
Kahlil Gibran.
"Las edades de la mujer"
Óleo sobre lienzo, 1910.
Museo Soumaya, México.
 
 
 
 
 
Como artista destacó por sus retratos y dibujos de desnudos.
 
Como poeta cantó a la existencia cotidiana desde una óptica mística e idealista que incorpora el pensamiento oriental y occidental.
 
 
 
 
 
 
"En el corazón de todos los inviernos vive una primavera palpitante, y detrás de cada noche, viene una aurora sonriente"
 
- Kahlil Gibran-
 
 
 
 
 
Manuscrito "El Profeta".
c. 1923.
Tinta sobre papel.
Museo Soumaya. México.
 
Es uno de los cinco libros más leídos en todo el mundo.
 
Su primer borrador (1903) fue titulado "Para que el universo sea bueno".
Después de veinte años, finalmente fue publicado en inglés, traduciéndose pronto a más de cuarenta idiomas.
 
 
 
 
 
 
Fue el periodo entre guerras el momento histórico en que "El Profeta" (1923) reconcilió el pensamiento oriental con el occidental, a través de proverbios ricos en sabiduría sobre la vida, el amor, la dicha, la tristeza y otras emociones universales.
 
 
 
 
 
Kahlil Gibran.
"Espíritu de los centauros"
Óleo sobre lienzo, 1913.
Museo Soumaya, México.
 
 
 
 
 
 
 
 
"Manuscrito El Loco"
Tinta sobre papel, 1918.
Museo Soumaya, México.
Kahlil Gibran.
 
 
 
 
 
En "El Loco", el artista y escritor explora la relación del ser humano con Dios y el mundo, a través de la voz de un hombre que otros suponen un loco.
 
Es el primer libro que escribió directamente en inglés y el punto clave de su literatura de la sabiduría o relativo a ella.
 
En este texto se encuentra el fragmento de los siete egos que representan los estados del alma entre los que se encuentran la pena, la dicha, la nostalgia y la muerte.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
"Retrato de Emile Michel"
Kahlil Gibran.
Óleo sobre lienzo, 1909.
Museo Soumaya.
 
 
 
 
 
Micheline la llamaban sus amigos, era profesora de francés y posó para el artista, ella y Gibran se convirtieron en grandes amigos.
 
 
 
 
 
"Autorretrato y musa"
Óleo sobre lienzo, 1911.
Kahlil Gibran.
Museo Soumaya, México.
 
 
"La mitad de lo que digo no tiene sentido, pero yo digo que para que la otra mitad se pueda alcanzar"
 
- de"Arena y espuma", 1926, Kahlil Gibran-
 
Es una de sus frases más destacadas y John Lennon siguió esta línea para su canción "Julia".
 
Durante una exposición conoce a Mary Elizabeth Haskell, diez años mayor que él, su correspondencia revela que fueron amantes durante muchos años y su amistad duró hasta su muerte.
 
Gibran expresó de que lo enterraran en el Líbano, y su deseo se cumplió cuando Mary Haskell y su hermana compraron el Monasterio Mar Sarkis y desde entonces convertido en Museo Gibran.
 
Fue voluntad suya que todo el contenido de su estudio fuera para Mary, y ella donó un centenar de sus obras al Museo de Arte Telfair en Savannah, Georgia.
 
Junto a su tumba figuran estas palabras:
 
"...Estoy vivo como tú, y yo estoy de pie a tu lado. Cierra los ojos y mira alrededor, puedes verme delante de ti"
 
 
 
 
Todas las fotografías que ilustran esta entrada están realizadas con mi cámara de fotos.

11 febrero 2013

EL REALISMO MÁGICO DE MICHAEL PARKES. MICHAEL PARKES: LA FANTASÍA DE SU OBRA.

 
 
Michael Parkes (Fragmento obra)
 
 
EL MAGO DEL REALISMO:
 
MICHAEL PARKES.
 
 
 
 
Pintor, artista gráfico y escultor estadounidense.
Nació en Missouri en 1944.
Estudió dibujo y artes gráficas en la Universidad de Kansas.
Cuando se graduó fue contratado de profesor de artes plásticas y desempeñó también una importante labor en la Universidad de Florida.
 
Parkes es un artista que evoluciona del expresionismo abstracto a un estilo personal y único.
 
El estilo de su obra, su pincelada detallista, minuciosa y tan especial, su búsqueda constante de la belleza, sus imágenes sacadas de sus sueños, de su imaginación y de una gran serie de conocimientos lo convierten en un reconocido artista.
 
 
 
 
Sus mujeres aladas, tan famosas, sus obras relacionadas con la tragedia griega, la sensualidad y la belleza de la mujer, el bien y el mal en un permanente conflicto consigue que su obra sea única y diferente.
 
 
 
 
El artista conocedor y gran experto de la mística y de la filosofía, de diferentes culturas, debido a sus numerosos viajes sienta las bases para desarrollar su estilo único y tan mágico.
 
 
 
 
Michael Parkes (Fragmento obra)
 
 
Parkes es un artista de gran reputación y reconocido por su impecable trabajo en su estilo tan particular, sus monstruos, mujeres hermosas y enanos ya ocupan su lugar único en el arte.
 
Es un experto de la litografía de piedra de color y muchos de sus trabajos se han realizado para ediciones limitadas.
 
El artista ha expuesto en diversos países, se encuentran sus obras en colecciones privadas, galerías y goza de un gran reconocimiento internacional.
 
 
 
 
 
 
Obras de Michael Parkes:
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Más información sobre la obra de Michael Parkes:
 
 

16 enero 2013

CUNO AMIET. EL COLOR Y LA LUMINOSIDAD DE CUNO AMIET, PINTOR SUIZO.



 
 
 
"Soy hermosa, ¡oh, mortales! cual un sueño de piedra,
y mi pecho, en el que cada uno se ha magullado a su vez,
está hecho para inspirar al poeta un amor
eterno y mudo así como la materia.
 
Tengo mi trono en el azar cual una esfinge incomprendida;
uno un corazón de nieve a la blancura de los cisnes;
aborrezco el movimiento que desplaza las líneas,
y jamás lloro y jamás río.
 
Los poetas, ante mis ampulosas actitudes,
que parezco copiar de los más altivos monumentos,
consumirán sus días en austeros estudios;
 
Porque tengo, para fascinar a esos dóciles amantes,
Puros espejos que toman las cosas más bellas:
¡Mis ojos, mis grandes ojos, los de los fulgores eternos!
 
Baudelaire (La belleza)
 
 
 
CUNO AMIET
 
 
"Sitting Girl, 1915"
 
Cuno Amiet pionero del arte suizo moderno.
 
Nació en Solothurn en 1868 y murió en Oschwand en 1961.
 
En 1886 estudia en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Artista en pintura de óleo sobre todo, también trabajó la acuarela y los grabados.
 
A partir de 1940-50 su trabajo se centra más en ideas más abstractas resaltando muy especialmente la luz y el espacio.
 
Su obra está inspirada en el expresionismo y se caracteriza por su técnica de pintura suelta y una paleta de color brillante.
 
Amiet entra en contacto con la escuela de Gauguin en Bretaña y con los artistas de El Puente.
 
Influido por Hodler él tenía su propio estilo.
Amigo de Giacometti y Hesse.
Fue un artista extravagante y llamativo.
 
 
 
 
"Retrato de Hilda"
 
Vivió en Oschwand y fue muy importante para él y su obra.
De él dijeron que "Siempre estaba en contacto con la naturaleza". El ambiente, la naturaleza, su jardín y sobre todo la gente lo inspiró en su extensa obra.
 
"Necesitaba el Oschwand para su trabajo artístico", dijo el comisario Berger del Kunstmuseum de Berna.
 
Cuno Amiet fue miembro de la Escuela de Pont-Aven.
 
Ha realizado más de 4000 obras, más de mil son autorretratos.
Se caracteriza su obra por la representación de numerosos paisajes y muchos en un escenario invernal, jardines y frutas.
 
Su gran constante es la experimentación, pero sobre todo siempre destaca en su obra la primacía del color.
 
Su obra considerada más importante es "Jardín" y se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Zurich.
 
 
 
 
 
Amiet (Perincioli)
 
Su casa se convirtió en un lugar de encuentro para escritores y artistas como Hermann Hesse, Samuel Singer y Arthur Weese entre otros.
 
Un incendio en el Münchner Glapalast destruyó sus obras más significativas, unas 50 aproximadamente.
 
Fue miembro de la Federal Suiza Comisión de Arte y del Kunstmuseum de Berna.
La Universidad de Berna le concedió en 1919 un doctorado honorífico.
 
Alumno de Hodler, amigo de Giovanni Giacometti y Segantini, es para muchos sobre todo un gran desconocido y quizá debido a su obra tan singular, es un ejemplo su atípica obra "Gran Invierno" que se aleja y se realiza para muchos entendidos fuera de las contemporáneas investigaciones pictóricas.
 
 
 
 
 
"Girl with Flowers, 1896"
 
 
"Gran Invierno"
 
 
 
"Paisaje de Nieve" o "Gran Invierno"
Cuno Amiet, 1904.
Óleo sobre lienzo, 178 x 235 cm.
Museo d´Orsay. París.
Adquirido con la participación de la Fundación Meyer y de un mecenazgo privado como recuerdo de Maurice y Betty Robin, 1999.
 
Esta obra de Amiet es un cuadro casi metafísico.
En primer término el artista plasma un blanco "inmenso" pero no monocromo.
Es una obra de grandes dimensiones, y nos sorprende mucho que en toda la superficie nada más que destaquen los tonos blancos muy matizados.
El minúsculo esquiador va dejando su huella en la nieve como un pequeño e inapreciable hilo, su huella lineal y muy poco perceptible nos hace adivinar que el esquiador avanza para alcanzar su meta, su objetivo, que adivinamos y se encuentra fuera de nuestro campo de visión, pero existe.
La obra nos muestra la fragilidad de un hombre sumergido dentro de un gran paisaje.
Nada más que una mancha oscura se pierde en la gama de los blancos, es el esquiador, ¿es quizá también la travesía simbólica de un hombre aislado haciendo su recorrido moral?...así lo han interpretado algunos.
 
 
"Ha bajado la nieve, divina criatura, el valle a conocer.
Ha bajado la nieve, mejor que las estrellas.
¡Mirémosla caer!
Viene calla- callando, cae y cae a las puertas y llama sin llamar..."
 
-Gabriela Mistral- 
 
 
 
 
"Portrait of a Breton Woman"
 
 
 
 
"Der Blumengarten auf der Oschwand"
 
 
 
 
"Jóvenes en amarillo, 1931"
 
 
Obras de Cuno Amiet.
 
 
 
El color y la luminosidad de Amiet.
 
 
 
 
"Portrait of Frau Kottmann, 1925"
Cuno Amiet.
 
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24 diciembre 2012

DIERIC BOUTS, "VIRGEN Y NIÑO", 1475. CUARTO ANIVERSARIO.

 
Obra de Dieric Bouts.
Foto Calamanda.
 
 
A todos los amigos, un año más, y ya son cuatro los que cumple este blog, a todos los que han pasado por estas páginas, que, enamorados de la belleza y sobre todo del arte contribuyen una vez más a edificar mis sueños: sed felices, también en Navidad.
 
Un abrazo,
Calamanda y Le Désespéré de Gustave Courbet.
 
 
 
 
 
Dieric Bouts. "Virgen y Niño", 1475.
Städel Museum, Frankfurt.
Adquirido en 1892. Legado de Moritz Goutard.
Foto Calamanda.
 
 
Dieric Bouts, Haarlem 1415/20?- Lovaina 1475.
Fue un pintor neerlandés.
 
Fue influenciado por Jan Van Eyck y por Roger van der Weyden y de quien es muy posible que haya sido alumno suyo, pero es cierto que se sabe muy poco de sus primeros principios como pintor.
 
Destaca su obra por una rigidez primitiva en la ejecución del dibujo, pero sus pinturas están muy bien hechas, diseñadas, son ciertamente muy expresivas y destaca en ellas una rica paleta de color.
 
Muchas de sus obras son pequeños cuadros de devoción a los temas religiosos, generalmente sobre la Virgen y el Niño, como esta obra que os muestro.
 
Murió en Lovaina y desde 1468 fue considerado pintor de la ciudad.
 
 
"Hay en medio del bosque un claro inesperado que sólo puede encontrar aquel que se ha perdido".
-Tomás Transtömer-
 
 
 
 
 
FELIZ NAVIDAD!!!
 
 
 
 
Foto Calamanda.

04 diciembre 2012

MUSEUM OF FINE ARTS DE BOSTON, ¿SUBIMOS?. "LA VOZ" DE MUNCH, 1893.

 
 
Museum of Fine Arts, Boston.-
 
 
 
 
Edvard Munch.
Summer Night´s Dream (La voz), 1893.
Museum of Fine Arts, Boston.
 
"Mi pintura es en realidad una confesión hecha por mi propio albedrío, un intento de aclararme a mí mismo mi concepto de la vida...En el fondo, no es sino una especie de egoísmo, pero no quisiera perder la esperanza de que pudiera ayudar a otros a alcanzar claridad sobre sí mismos."
 
-Edvard Munch-
 
"...un mérito tiene Munch frente a los artistas de la anterior generación: sabe mostrarnos lo que ha sentido, lo que lo conmueve, y a ello subordina todo lo demás."
-Christian Krohg-
 
 
 
 
Escalera entrada principal.
 
 
 
Museum of Fine Arts.
 
 
 
Lion.
China.
Ming Dynasty, 1368-1644.
Earthenware with sancai (three-colored) glaze
 
 
 
 
Lion. China.
 
 
 
 
Censer.
China.
Qing dynasty, Qianlong period, 1735-96.
 
 
 
 
Censer. China.
 
 
 
 
 
Hu-shaped bronze vase.
China.
Qing dynasty, Qianlong period, 1735-96.
Bronze.
 
 
 
 
 
Hu-shaped bronze vase. China
 
 
 
 
 
Covered jar.
China.
Qing dynasty, 19th century.
Porcelain, with overglaze enamels and gilding;
wood stand.
Juliana Cheney Edwards  Collection, 1939.
 
 
 
 
 
Censer.
China.
Qing dynasty, 19th century.
Cloisonné enamel; wooden stand.
 
 
 
 
 
Censer (fragmento). China.
 
 
 
 
 
LA VOZ, 1893.
 
 
 
Edvard Munch.
Summer Night´s Dream (La voz), 1893.
Óleo sobre lienzo, 87,8 x 108 cm.
Museum of Fine Arts, Boston.
 
"Estos cuadros míos, tan difíciles de entender, serán creo yo, más comprensibles si se los presenta formando un conjunto entre sí...los cuadros tendrán por tema el amor y la muerte."
-Edvard Munch-
 
Es en 1902-1903 cuando son presentados por primera vez los cuadros de Munch al público formando un conjunto llamado "El Friso de la vida".
 
"...Era como una sinfonía- los cuadros provocaron gran alboroto- gran hostilidad y gran aclamación."
(Munch)
 
"La voz" es su primera obra en el ciclo del amor y con ella inicia una secuencia de seis pinturas que posteriormente formarán el núcleo central de "El Friso de la vida".
 
Muchas de las memorables obras de Munch pertenecen a esta serie llamada "El Friso de la vida", amor y muerte, y a él nada más que le interesa lo que se puede percibir por el espíritu y no por la vista.
 
 
 
La voz (Fragmento)
 
En esta obra de Munch vemos en primer plano a una mujer joven  que mira al espectador, a nosotros.
 
En contraste con el primer plano en el último destaca con mucha fuerza la columna amarilla que forma la luna reflejada en el agua y que se convierte junto a la joven en los dos protagonistas de la obra.
 
Llama poderosamente la atención la simplificación, la geometrización, la reducción de formas muy destacada en la representación de los árboles, el reflejo del brillo de la luna parece que flota sobre el agua, la impresión de monumentalidad de la obra.
A pesar de que no es una obra de excesivo formato presenta una solidez que nos puede hacer pensar que es un gran lienzo.
 
Horizontales y verticales se ven con gran claridad y de inmediato, nada más mirar, el artista deja muy claro los símbolos de lo femenino y lo masculino...en el agua y la luna, los troncos y la orilla junto a la línea horizontal de la vegetación.
 
Destaca una magnífica compenetración de la luz con la sombra.
 
El escenario y los detalles en las obras de Munch siempre nos remite a lugares concretos, a los que a él le gustan y en donde mejor describe sus sentimientos, su espíritu, y en esta obra el artista nos remite a Aasgaardstrand.
 
En Aasgaardstrand los pinares llegan hasta la playa, es una pequeña aldea de pescadores a unos 80 kms. de Oslo y es en este lugar donde se desarrollan las mejores obras de Munch y su escenario favorito, aquí el artista alquiló una pequeña casa que más tarde adquirió.
 
"Yo pintaba las líneas y los colores que afectaban a mi ojo interno. Pintaba de memoria sin añadir nada, sin los detalles que ya no estaban ante mí. Éste es el motivo de la simplicidad de los cuadros, de su obvia vacuidad. Pintaba las impresiones de mi infancia, los colores apagados de un día olvidado."
 
-Edvard Munch-
 
 
 
Obras de Munch.- 
 
 
 
 
Todas las fotografías pertenecen a Calamanda y Le Désespéré de Gustave Courbet.-